El Conventillo de la Museóloga.

Personaje Museístico: El compositor de música cinematográfica Ennio Morricone

2011-12-05T11:27:00.002-03:00

“Cinema Paradiso”, “Lolita”, “La misión”, "Spaghetti western" y “Días del cielo”. ¿Qué tienen en común todas estas películas?. Al gran Ennio Morricone, el compositor italiano de música de cine y bandas sonoras más conocido y prolífero del mundo.

Nacido el 10 de noviembre de 1928, en Roma, Ennio Morricone recibió su formación musical en el Conservatorio Santa Cecilia donde se graduó en trompeta, instrumentación de banda musical y composición musical con Petrassi (también estudio música coral y dirección de coros). Ennio comenzó a escribir música para películas en 1955, trabajando en paralelo como arreglista de música ligera para las orquestas y los discos de la RCA italiana. En 1958 fue contratado como asistente musical por la RAI, pero renunció el mismo día en cuanto se enteró que estaba terminantemente prohibida la transmisión de música compuesta por los empleados del organismo público de radiodifusión por voluntad expresa del entonces gerente general Filiberto Guala, que impediría cualquier posibilidad de carrera.

Las vueltas de la vida hicieron que a fines de los ´50 Ennio se reencuentre con un compañero del colegio, que no era ni más ni menos que Sergio Leone, un reconocido guionista, productor y director de cine italiano (dicen que Leone no recordó a Ennio hasta que vio una foto de ellos juntos en el Colegio). Morricone comenzó a colaborar en el director. La primera banda sonora que realizó Ennio fue para la película “Por un puñado de dólares”. Su colaboración duró hasta la última película de Leone, “Érase una vez en América”. Cabe destacar que en sus conciertos, Ennio siempre dedica una sección a la música compuesta para el director Sergio Leone.

Sigamos. En los ´60 vivió, junto a su esposa María Travía y sus 4 hijos, en el popular barrio romano de Trastevere. En su mismo edificio (justo en el departamento de arriba) residía Eva Fischer, una importante figura femenina del arte romano de la época de la posguerra, dedicada a la pintura. Con ella se produjo un intercambio cultural intenso, que culminó en 1992 con la publicación del CD "Un pintor, Eva Fischer" unido a un libro con reproducciones de pinturas inspiradas en la música de su gran amigo, Ennio. El compositor también fue amigo y colaborador de de Bruno Nicolai (amistad que comenzó en el Conservatorio Santa Cecilia cuando ambos estudiaban juntos), quien colaboró en varias bandas sonoras de Morricone como “Ponga una noche en la cena”, algunas de las cuales se firman a 4 manos. Lamentablemente, esta amistad y colaboración se fue desgastando con el pasar de los años. Tal es así que la colaboración oficial ha sido tan estrecha que terminó en litigio, por la dificultad de separar la creatividad de cada uno. Incluso hoy en día, los estudiosos y fanáticos de la obra de Morricone y Nicolai se preguntan cuál de los 2 ha creado.

Ennio ha recibido innumerables galardones, pero, paradójicamente, en el año 2007, y luego de 5 nominaciones para el Oscar, se le entregó en la categoría “a los no premiados, admirados por el público" el premio de la Academia "por sus magníficas contribuciones multifacéticas para el arte de la música en las películas" (el premio fue entregado por el actor Clint Eastwood, un icono de las películas del oeste de Sergio Leone).

"Quiero agradecer a la Academia por este honor al darme este premio tan codiciado, pero quiero agradecérselo a todos aquellos que han creído fuertemente en mi, y han luchado duramente para que me lo concedieran y lo han sentido como propio al lograrlo. Realmente, quiero agradecer a mis directores, los directores que me han llamado para trabajar para sus películas por su confianza, para escribir la música en sus películas, realmente no estaría aquí si no fuera por ellos. Mi pensamiento se dirige también a todos los artistas que han merecido este premio y que no lo han tenido. Les deseo que se lo concedan en un futuro cercano. Creo que este premio es para mí, no un punto de llegada sino un punto de partida para realizar películas y obtener un mejor resultado en el servicio de mi estética personal aplicada a la música. Quiero dedicar este Oscar a mi esposa María, que me quiere muchísimo y a la que quiero de la misma manera. Este premio es para ella. "

La influencia en la cultura popular de Ennio Morricone ha sido muy importante. Ha compuesto obras para series de televisión; entre las más conocidas están Moisés, Marco Polo, La Piovra o El secreto del Sahara.
En 1970 colaboró con Chico Buarque en un disco llamado "Per un pugno di samba", y también compuso la marcha de la Copa Mundial de FIFA Argentina 1978.

La música de Ennio fue utilizada para la creación de muchos covers. Por ejemplo, Ramones utilizó la banda sonora de “El bueno, el malo y el feo” como una introducción a sus conciertos. La banda sonora de la película “Por un puñado de dólares”, también fue utilizado como introducción a los conciertos de la banda en "La vuelta a Marte". Por otra parte, Muse toma la canción "Un hombre con una armónica", tomada a su vez de “Érase una vez en el Oeste” como una introducción a la Knights of Cydonia, durante las presentaciones en vivo.

En fin. En el año 2007 salió un disco tributo titulado “We All Love Ennio Morricone” (Todos amamos a Ennio Morricone). Creo que mejor titulo no podrían haber elegido…viva la genialidad ilimitada, viva Ennio Morricone!.

Adieu!

El Conventillo Cinéma: Psicosis

2011-11-30T20:38:00.006-03:00

¿Qué puede dar más miedo que una película de monstruos?. El vecino de al lado con una media sonrisa. (Alfred Hitchcock).

Sin lugar a dudas, Psicosis es un perfecto reflejo del modo de ser Hitchcockiano. La película estaba basada en una novela de poca relevancia de Robert Bloch con la modestísima tirada de 10 mil ejemplares. Según las malas lenguas, tan pronto como la novela se presentó a los estudios de la Paramount, los directivos dijeron que “era imposible de filmar. Demasiado repulsiva e impactante, incluso para un lector versado en el tema”.

Sin embargo, Hitchcock compró un ejemplar de la novela en el aeropuerto de camino a Londres y, cuando el avión estaba aterrizando, ya había decidido que sería su próxima película. Ni lento ni perezoso, compró los derechos de la novela por 9 mil dólares y envió a sus tropas a distintas librerías para que compraran hasta el último ejemplar disponible del libro para proteger el secretismo del argumento. Además, Hitchcock tampoco quería que el estudio estuviera muy informado de sus movimientos.

El Hitchcock tenía previsto dedicar tiempo y dinero a la preproducción y rodar el filme de forma rápida y económica, casi como si fuera un episodio ampliado de su serie de televisión “Alfred Hitchcock presenta”, que el mismo condujo de 1955 a 1962 (el programa emitía historias de suspenso, adaptaciones de cuentos de escritores de la talla de Eric Ambler, Ray Bradbury, Roald Dahl, Robert Dennos y Ira Levin, entre otros. La lista de directores incluía a Robert Altman, Paul Henreid, Ida Lupino, Norman Lloyd –actor que el director veneraba- y el mismísimo Hitchcock).

A pesar de que en 1955 Hitchcock tenía una destacable trayectoria y era una marca registrada, los ejecutivos de la Paramount se negaron a dar luz verde a Psicosis a menos que fuera él quien elaborara el argumento. Demostrando su intransigencia, Hitchcock se negó a revelar la trama, pero a cambio accedió a recortar el presupuesto. La Paramount no cambió de parecer. Entonces Hitchcock les comunicó su intención de renunciar a los 250 mil dólares de sus honorarios como director, siempre y cuando la Paramount le asegurara el 60 % de los beneficios de la película. Tampoco obtuvo ninguna respuesta. Entonces propuso rodar la película en el set de Universal, donde se producía su serie de televisión, limitando el presupuesto a la reducida cifra de 800 mil dólares. Demás está decir que el estudio aceptó la propuesta, pero igualmente no podía ocultar su nerviosismo. Todas las películas anteriores de Hitchcock se habían filmado en deslumbrante Technicolor, con vestuarios elegantes y localizaciones fascinantes. Psicosis iba a ser una película deprimente y oscura. El estudio tenía sus grandes dudas, pero no quería tener que pasar vergüenza de haber rechazado una película del afamado director. Psicosis iba a filmarse, a pesar de que la Paramount ni siquiera sabía cómo se iba a llamar.
Hitchcock contrató en secreto al guionista James Cavanaugh, para que adapatara la novela, pero le pareció que el primer borrador degeneraba en la última escena y que carecía de humor negro. Finalmente contrató al guionista de televisión Joseph Stefano.

Una cuestión fundamental era cómo hacer que la señora Bates apareciera sin realmente mostrarla. En un libro resulta sencillo explicar más adelante que la señora Bates hace tiempo que está muerta y que ambas voces provienen del psicótico de Norman, y que es el asesino. En una película el tema es más complicado, pero Stefano, el guionista, dio en la tecla: engañar al espectador distrayendo su atención hacia otro lado. En el libro, la primera víctima (Mary Crane) llega al Hotel en el capítulo 2 y es asesinada en el capítulo 3. Stefano sugirió que la película no empezara en la mansión de los Bates, sino con la víctima. De esta forma, el público creería que la protagonista de la película era ella.

En el filme, la victima pasó a llamarse Marion Crane. La película empieza con ella y su amante Sam, con el que tiene intención de casarse. Según Hitchcock, la primera escena con Marion y Sam era fundamental. El director se llevó el guión a su casa y al día siguiente le dijo al guionista: “A Alma le ha encantado”. Ese era el sello de aprobación oficial. Alma Reville era la esposa de Hitchcock desde 1926. Esta editora cinematográfica terminó convirtiéndose en su más estrecha colaboradora, a la que consultaba en cuestión de guiones, story boards, reparto y cualquier otro aspecto de sus películas. Si a ella no le gustaba, no se hacía.

A pesar de que Stefano había pasado la prueba fundamental, Hitchcock lo contrató por tan sólo 2 semanas.

En el libro Norman era un cuarentón corpulento y alcohólico, totalmente dominado por su madre. Estaba basado en el personaje de Ed Gein, también conocido como “El carnicero de Plainfield”, que también sirvió de inspiración para la familia Leatherface en la “Matanza de Texas” de 1974 y para el personaje de Buffalo Bill de la novela “El silencio de los corderos”.

Stefano quería un perfil más interesante para el asesino. Propuso que Norman fuera un joven solitario y cordial. “Imagina a Anthony Perkins”, dijo.

Para el papel de la primera víctima, Marion, Hitchcock pensó en Janet Leigh, la indiscutible estrella del filme. El director la contrató por 3 semanas; se necesitó una semana entera de rodaje de la secuencia de 45 segundos de la ducha. Más tarde, Hitchcock confesaría a Francois Truffaut que se utilizaron 70 posiciones de cámara para esa escena. “Utilicé una modelo desnuda para doblar a Janet Leigh. Tan sólo utilizamos las manos, la espalda y la cabeza de la señorita Leigh. Cómo es de suponer, el cuchillo jamás llegó a tocar su cuerpo; la escena se recreo en el montaje…”.

Hitchcock y Stefano, mientras tanto, seguían puliendo el guión. Investigaron sobre taxidermia, visitaron un concesionario de autos usados, y buscaron casas en inmobiliarias. Según Stefano, su máxima era “Piensa en lo que el público va a preguntar y encuentra la respuesta lo antes posible”.

La combinación del director y del guionista era irresistiblemente audaz. Su propósito era el de romper tabúes y derribar mitos. De esta forma se puede ver a una Janet Leigh con sólo un corpiño blanco o tirando de la cadena del inodoro. Pero quizás el tabú más osado fue el de la representación de la madre pues el tema de la madre abnegada, sacrificada, vulnerable y santa era predilecto en el mundo el cine.

Y ahí estaba la señora Bates, la verdadera villana de la película, la madre que Norman llevaba en su interior, atormentándolo. En el guión de Stefano, la casa representa la mente de Norman, y detrás de la puerta secreta, en el sótano la raíz de todos sus males: su madre. Marion y su compañera de trabajo, Caroline (interpretada por Patricia, la hija de Hitchcock), también mencionan en la película a sus madres muertas.

Un elemento fundamental en el éxito imperecedero de Psicosis es su banda sonora. Inicialmente, Hitchcock quería que la película tuviera el mínimo de música posible y que se concentrara en los sonidos naturales de la calle y el ambiente. El compositor Bernard Hermann (que ya había trabajado con el director en películas anteriores) le dijo en un momento: “Tengo una idea. ¿Qué te parecería una partitura únicamente de cuerdas?. Yo solía tocar el violín, ¿sabes?. Hitchcock quedó tan contento con el resultado que le dobló el sueldo al compositor, un total de 35 mil dólares. Hermann la consideraba una composición “en blanco y negro”, puesto que era muy básica.

Después de Psicosis, Hitchcock dirigió 6 películas más, incluido el éxito de Los Pájaros (The Birds) de 1963, que desencadenó una serie de películas de animales perturbados que atacaban a los humanos.

En fin. El conjunto de las obras del director demuestra que no hay, ni habrá, un Hitchcock después de Hitchcock. Su soberbia, maravillosa y siniestra visión del mundo era incomparable.

Adieu!.

Noticia Museística: La madre de Harry Potter tendrá película

2011-11-23T18:25:00.003-03:00

La historia de J. K. Rowling (Joanne Kathleen Rowling), la creadora de la saga de libros y películas multimillonarias del aprendiz de mago Harry Potter será llevada a la pantalla chica (por el momento, será una película hecha solo para televisión).

La película llevará por título “Magic Beyond Words: The JK Rowling Store” (Magia más allá de las palabras: la historia de J. K. Rowling) y se estrenará el próximo año, o sea, en el 2012. Para el papel de la escritora se ha escogido a la actriz australiana Poppy Montgomery, conocida por papeles en series de televisión como, por ejemplo, Sin Rastro. La actriz, un poco más blonda y pálida de lo habitual, y con los ojos celestes en vez de marrones, tiene un notable parecido con la autora de la saga.

El biopic (género cinematográfico que cuenta la vida de un personaje, muy popularizado en los últimos años) no ha sido autorizado por la autora, pero Montgomery espera que a Rowling le guste "por lo menos un poquito". "Traté de no pensar en si a ella le iba a gustar o no. La admiro mucho, como ser humano y como escritora, y me encantan sus libros".

La historia de la escritora de por sí es muy interesante. Veamos....

J. K. Rowling nació en Yate, Reino unido, el 31 de Julio de 1965. Desde muy pequeña se dedicaba a escribir historias de fantasía, su madre fue la primera que la apoyó en el mundo de la literatura. “La primera historia que escribí en mi vida (cuando tenía 5 o 6 años) fue sobre un conejo llamado Rabbit. Tenía sarampión y era visitado por sus amigos, incluyendo una abeja gigante llamada Miss Bee”, contaba Rowling.

Con los años, Joanne se matriculó en la Universidad de Exeter, donde, siguiendo el consejo paterno, estudió francés con el propósito de encontrar después un buen trabajo como secretaria bilingüe. Con los títulos de lengua y literatura francesas todavía relucientes, se trasladó a la sede de Amnistía Internacional en Londres para realizar un trabajo de investigación sobre las violaciones a los Derechos Humanos en el África francófona.

Tras este breve período de formación empezó a trabajar como secretaria, pero pronto descubrió que el orden y la rutina no iban con ella. Varias experiencias frustrantes en diferentes empresas, unidas a la triste desaparición de su madre, enferma de esclerosis múltiple, la llevaron a dejarlo todo a los 26 años y a abandonar el país con la intención de enseñar inglés en el extranjero.

En Lisboa disfrutó enseñando su lengua materna a alumnos portugueses y tuvo bastante tiempo para su verdadera vocación, escribir. Allí conoció y se enamoró de Jorge Arantes, un periodista de la televisión portuguesa con el que contrajo matrimonio en octubre de 1992 y con quien tuvo una hija a la que llamó Jessica. El matrimonio no prosperó y pronto terminó en divorcio.

Madre de una pequeña niña y sola en un país extranjero, en 1996 Joanne decidió regresar a Gran Bretaña y se instaló en la ciudad escocesa de Edimburgo, donde llegó con la firme intención de acabar y publicar una novela sobre un tal Harry Potter, personaje infantil con poderes mágicos, cuyas andanzas había imaginado bastante tiempo atrás durante un interminable viaje en tren entre Manchester y Londres.

La tenaz profesora de francés pasó muchas tardes de su vida escribiendo en un cálido café próximo a un pequeño apartamento sin calefacción en el que vivía con su hija. Finalmente logró una beca del Scottish Arts Council que le permitió concluir, luego de 5 años, el libro que cambiaría su vida: Harry Potter y la piedra filosofal.

Recorrió sin éxito con la copia mecanografiada por ella misma editoriales del prestigio de Penguin y Harper Collins, hasta que en 1997 consiguió por fin que la firma británica Bloomsbury publicara el libro. Pocos meses después, Scholastic Press compró los derechos de la novela para Estados Unidos, por una suma superior a los 14,5 millones de pesetas, una cifra muy importante para un libro infantil. Rowling empezó a ser popular en su propio país, y durante los primeros meses se vio ampliamente superada por la situación, sin poder escribir ni una sola línea.

A punto de acabar el segundo libro de la serie, entró en una fase crítica y llegó a pensar que estaba escribiendo “basura”, según confesaría tiempo después en una entrevista. Nada acostumbrada a manejar semejantes sumas de dinero ni a la presión de los medios de comunicación, Joanne se bloqueó y tardó en adaptarse a la nueva situación, hasta el punto de verse obligada a modificar su sencillo estilo de vida. Tuvo que dejar de escribir en el mismo café debido al acoso de admiradores y curiosos, que convirtieron el local en lugar de peregrinación, y adoptó una postura defensiva frente a las intromisiones en su vida privada. Después decidió dejar las clases definitivamente para dedicarse por entero a lo que siempre había anhelado: escribir.

Sin lugar a dudas, desde que se lanzó el primer libro de la saga esta se convirtió en un éxito sin precedentes. La serie logro gran popularidad, críticas favorables y éxito comercial en todo el mundo.

Según la revista Forbes, la fortuna de J.K. Rowling asciende a los 1,000 millones de dólares, no sólo es la mujer más rica del Reino Unido, por encima de la Reina de Isabel II, sino que es la primera mujer que se ha hecho multimillonaria en vida escribiendo libros.

Todo un fenómeno tanto a nivel literario como empresarial pues ha vendido 450 millones de copias de los siete volúmenes que integran la saga sobre el joven mago, sus aventuras en la Escuela de Magia y Hechicería de Hogwarts y su lucha contra el malvado Voldemort.

En fin, como buena lectora de Harry Potter, esperare ansiosa la película de J.K Rowling.

Adieu!

Curiosidad Museística: El artista Dan Tague y los mensajes ocultos en el billete de un dólar

2011-11-20T19:21:00.001-03:00

“El dinero no da la felicidad, pero ayuda bastante”.

Eso es lo que debe pensar Dan Tague, un artista de Nueva Orleans, EEUU, que en un acto de sarcasmo e ironía extrema utiliza billetes de 1 dólar para lanzar consignas activistas contra la voracidad capitalista.

'We need a revolution' (Necesitamos una revolución)

Veamos. El arte de Tague (por el momento, único en su estilo) consiste en doblar los billetes para encontrar así mensajes escondidos (cabe destacar que para encontrar dichos mensajes a veces ha necesitado doblar el billete hasta 100 veces).

La exposición “Los Chicos están bien” (The kids are alright), en donde Dan muestra sus billetes, se ha convertido en una de las muestras más llamativas en pleno corazón del poder, Washington DC.

'Save the coast' (Salva la costa)

A sus 37 años, Tague a vivido la catástrofe del huracán Katrina que arrasó con su barrio y también experimentó el desastre petrolífero del Golfo de México, de ahí algunos de sus mensajes.

'Love and hate' (Amor y odio).

Estemos o no acuerdo con su arte, nadie puede poner en duda la creatividad de este artista. A pesar de su juventud, lleva ya una carrera importante a sus espaldas.

En fin...“Vive libre o muere” (Live free or die) fue el radicalismo final de esta obra en la que parece plantear la duda de si el dinero te hace libre o esclavo...

Adieu!.

El Conventillo Varieté: Las hipótesis comunistas y nazis de los Pitufos

2011-11-16T16:42:00.001-03:00

¿Hipótesis real, cuestión de Markéting u otra bomba literaria?. La polémica está servida tras la publicación en Francia de un libro en el que se analiza el organigrama y funcionamiento de la “sociedad pitufil”. Antoine Buéno, autor del ensayo, sostiene que los dibujos creados por Peyo en los años ‘50, fomentan el "arquetipo de una utopía totalitaria impregnada de estalinismo y nazismo".

Veamos. “El pequeño libro azul: Análisis crítico y político de la sociedad de Los Pitufos” (Le petit libre bleu: Analyse critique et politique de la société des Schtroumpfs -Ed. Hors Collection- que salió a la venta el 1 de junio en Francia), realiza un análisis minucioso de la comunidad comandada por Papá Pitufo.

Ahora bien, ¿qué clase de doctrina política domina la vida de estos seres azulados?, ¿por qué obedecen y respetan ciegamente a Papá Pitufo?, ¿por qué todos llevan un ultra revolucionario gorro frigio?, ¿y todas esas hoces y esos martillos que aparecen juntos todo el tiempo?.

Para el autor, Antoine Buéno, la pregunta no es tanto si en esta sociedad pituferil viven en koljós (granjas colectivas rusas) o gulag, sino si Don Papá Pitufo vendría a ser Karl Marx o aquel otro Papá, el de los Pueblos, Stalin.

Desde un principio, Antoine se encamina por esta segunda hipótesis, no sólo porque el anciano jefe ejerce el poder, sino por la existencia de otro personaje clave: Pitufo Filósofo, que “parece tener un grado de parentesco con León Trotsky, el mayor rival y el peor enemigo del dictador ruso”.

Los anteojos redondos, su personalidad contestataria, crítica e inconformista es la misma imagen que el estalinismo propagó del creador del Ejército Rojo desde los años ’30 hasta declararlo “enemigo del pueblo” y, por ende, mandarlo a mejor vida. De ahí que Pitufo Filósofo sea constantemente sopapeado y perseguido por sus iguales mientras trata de instruirlos con suma soberbia (debido a estas especulaciones, hay gente que asegura que la palabra “smurf” -Pitufo, en inglés- es el acrónimo de “Socialist Men Under Red Father” -Hombres socialistas bajo un padre rojo-).

Otra conclusión del estudio de Buéno determina que, al igual que el Tercer Reich, los pitufos son racistas pues no les gustan los negros (y, casualmente, el primer libro de la saga se llama “Los Pitufos negros”.

En esta tira, una mosca pica a un pitufo. Este se vuelve negro y empieza a comportarse como un salvaje: salta de un lado a otro mordiendo e infectando a sus semejantes mientras grita: “¡Ñac, Ñac!”. Una obviedad es decir que lo negro siempre es peligroso y degenerado).

También, y curiosamente, tienen como archi-enemigo a un personaje de origen judío, Gargamel, que más que brujo es un alquimista de baja estofa y totalmente obsesionado con hacer un puchero de criaturas azules (tal como el capitalismo siempre ha querido devorar al comunismo), pues son indispensables para fabricar la piedra filosofal que le permita convertir el plomo en oro (como muchos alquimistas judíos medievales).

Para el autor no hay ningún tipo de duda, la figura de Gargamel era un estereotipo judío: avaro, de nariz aguileña, encorvado, vestido con túnica negra, sucio. “Es el judío tal como lo representa la propaganda estalinista”. Por favor, no nos olvidemos que su gato se llama Azrael …

Es interesante agregar que el autor también señala que los pitufos evolucionan en un espacio “volkisch”, la estética folklórico populista de los nazis, y su tiempo es el del pasado mítico, mágico y romántico de una Edad Media ahistórica propia del género fantástico y del imaginario del nacional socialismo. El autor recuerda además que los pitufos son un spin-off de otra tira de Peyo, Johan y Pirluit, que ya le valió acusaciones de antisemitismo cuando en El País Maldito un personaje pequeño y narigón insulta a los pitufos en idish, cuando la convención es usar ideogramas, nubes o rayos.

Vade retro, Satanás. Muchos, pero muchos fans de los pitufos no están dispuestos a perdonar estas interpretaciones y le envían al autor, vía mail, todo tipo de insultos y hasta amenazas de muerte. Al principio le causaba gracia, pero a medida que el libro cobraba notoriedad la presión aumentaba y los nervios también. “Creo que hay seguramente una amalgama entre las polémicas moralizadoras sobre la prohibición de Tintín en el Congo, o incluso en otro registro con Lucky Luke y su cigarrillo”, comentó. “La gente no quiere creer que sólo me entregué a un ejercicio intelectual escolar que no denuncia ni delata. También tiene que ver con el hecho de que está muy ligado a lo afectivo del tema: todo lo que tiene que ver con la infancia tiene algo de sagrado, es como si me gritaran “no te metas con mis magdalenas, Proust”.

En fin. Como dije anteriormente, la polémica está servida.

Adieu!

Objeto Museístico: Las Cápsulas del Tiempo de Andy Warhol

2011-11-12T22:00:00.002-03:00

La figura de Andy Warhol quedará siempre asociada al Pop Art y a sus series miméticas e infinitas de retratos en color, lo mismo que a sus películas, su fotografía, a su revista Interview, y a sus desenfrenadas fiestas underground con los sonidos de la Velvet Underground y Nico. Y también a sus Cápsulas del Tiempo , esas cajas repletas con “las cosas de Andy” que hoy representan la principal fuente de información sobre su vida y, más aún, son consideradas parte de su práctica artística.

Sin lugar a dudas, el consumo constituía una buena parte de la creatividad y estilo de vida de Andy Warhol. No sólo la representación del objeto de consumo era su pasión, pues él mismo se convirtió en un comprador y coleccionista compulsivo (Warhol recorría asiduamente las casas de subastas, las tiendas de antigüedades y, especialmente, los “mercados de pulgas” –ferias americanas-, para encontrar nuevas joyas de inspiración).

Para Warhol, la cultura del Shopping suponía una excelente inversión de tiempo y, por supuesto, de dinero. Llegó a tener tantas cosas que le crearon muchos problemas por su estricto sentido del orden. Guardaba en cajas muchos de los objetos que se convertían en símbolos, pues absolutamente todo le recordaba a algo.

Veamos. Todo comienza en el año 1973, cuando Warhol decide trasladar su "Factory" de Union Square West a Broadway. Una vez terminada la mudanza, Warhol se dio cuenta de que unas simples cajas de cartón eran un método eficiente y económico para guardar el flujo diario de cartas, revistas, regalos, fotografías, tarjetas de presentación y otras tantas miles de cosas que pasaban por sus manos (para el momento de su muerte -1987-, había completado 612 cajas).

En su autobiografía titulada “The Philosophy of Andy Warhol: From A to B and Back Again”, Warhol escribió:

“Lo que deberías hacer es tomar una caja cada mes, guardar de todo en ella y cerrarla al término del mes. Deberías mantenerte al tanto de su ubicación, pero si se te hace imposible y la pierdes, no hay problema, porque es algo menos en qué pensar, un alivio para tu mente… Yo empecé con baúles y muebles curiosos, pero luego consideré algo más económico y empecé a guardarlo todo en cajas marrones, todas del mismo tamaño”.

En fin, poca gente cree haberlo conocido en la intimidad, pero lo cierto es que desde su peculiar manera de entender tanto el arte como el negocio (dos cosas que no veía separadas) dejó un sello imborrable en la cultura popular, en la industria del espectáculo y el manejo de la imagen, desde su personaje frívolo, excéntrico, distante y tremendamente cínico.

Para todos los curiosos y voyeurs warholianos acá tienen algo para regocijarse (Time Capsule 21).

Adieu!

Personaje Museístico: Ziggy Stardust

2011-11-07T23:26:00.004-03:00

Comenzaban los ’70 y con ellos amanecía una época en la que los mejores exponentes del arte ofrecieron sus trabajos más deslumbrantes. David Bowie respondió como un perro recién soltado de su correa y con sus 7 años de experiencia en la profesión y los 3 discos que tenía a sus espaldas, logró convertirse en la imagen de la ambigüedad sexual más memorable del mundo.

La odisea andrógina había comenzado. Ziggy Stardust llegaba a nuestro planeta con un enterito de lurex plateado y extremadamente apretado. Su pelo era de un rojo muy vivo. En torno al cuello llevaba una capa estampada con motivos orientales, ribeteada de seda amarilla, que utilizaba como abanico y marcaba el tiempo con sus botas altas de plástico rojo.

Quiero asombrar a la gente, no limitarme a subir al escenario y soltar unas cuántas canciones nuevas. Eso no lo puedo hacer. Lo último que me propongo ser es una radio. Más bien soy un televisor a color (1972).

Bowie dijo que el icono del pop británico se basaba, irónicamente, en 2 figuras de culto norteamericanas, Iggy y Lou Reed. Pero el personaje, en la medida en que era una caricatura, también tenía una fuerte inspiración en Andy Warhol. Era evidente que Ziggy era el producto de lo que Bowie había visto en EEUU. Incluso “Stardust” era un homenaje al mitómano mundo de Los Angeles. La mezcla se completaba con una combinación de H. P. Lovecraft y el “Stranger in a Strange Land” de Robert Heinlein. Años más tarde, Bowie afirmaría que Ziggy estaba basado en el “Elvis francés”, Vince Taylor, cuya carrera terminó cuando anunció a sus fans que era Jesucristo.

Ziggy Stardust y los Spiders de Marte aterrizaron por primera vez sobre el modesto escenario del pub Toby Jug, en Tolworth, el 10 de febrero de 1972. Causaron sensación. Mentes menos analíticas definieron los conciertos como “salvajes”, “tremendos”, “increíbles”, y “alucinantes”; la sintonía con el público era extraordinaria. Ziggy se había convertido en un peso pesado del glam rock. Sólo Gary Glitter y Alice Cooper podían competir con él. Había nacido una estrella.

En junio de ese mismo año apareció el álbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (El ascenso y la caída de Ziggy Stardust y las arañas de Marte). El argumento era fantástico: un extraterrestre bisexual llega a la Tierra, se hace estrella del rock y le revela a los humanos que tienen 5 años antes de la extinción del planeta, tras lo cual decide convertirse en una especie de “mesías rockero” para salvar al mundo de la destrucción . Finalmente termina por abandonar sus objetivos siendo víctima de su propio éxito.

En todas partes la influencia de Bowie era evidente. Para la mayoría de los adultos, por supuesto, David era el emblema de la conducta turbia, antisocial, y, en el mejor de los casos, una imagen inquietante en la pared de un dormitorio. En la Gran Bretaña de aquellos años, a Ziggy se lo amaba o se los odiaba. A pocos dejaba indiferente.

En Inglaterra podría haber sido Hitler. No hubiera resultado difícil. Solo los conciertos eran tan tremendamente terroríficos que hasta los periódicos decían: “Eso no es rock, es el jodido Hitler. ¡Hay que hacer algo!"…Y tenían razón. Era espantoso. Creo que podría haber sido un jodido Hitler. Un dictador extraordinario. Muy excéntrico y totalmente loco”. (Febrero 1976).

A finales de 1972, Bowie ya no se limitaba a disfrazarse. “¡Llámenme Ziggy!, Llámenme Ziggy Stardust!”, declaro a los críticos norteamericanos que lo entrevistaron en el Hotel Dorchester.

En 1973, el personaje al que Bowie había descrito una vez como “la anarquía total” se había convertido en una camisa de fuerza. Cuando Bowie se vestía de Ziggy, era algo más que una interpretación, era como una posesión real. Circulaban rumores, sobre todo en las revistas juveniles, de que el mismo Bowie se consideraba un ser de otro planeta. En Los Angeles se negaba a salir durante el día porque decía solemnemente que “se derretiría”.

Ziggy estaba cargándose al propio Bowie, así que fue éste el que decidió poner punto y final a la corta pero intensa vida del extraterrestre el 3 de Julio de 1973 con el último concierto de dicha gira en el Hammersmith Odeon de Londres, anunciando y proclamando a los 4 vientos que éste sería su último espectáculo junto a las Arañas de Marte.

Posteriormente, Bowie creó un personaje llamado Aladdin Sane, una especie de Ziggy en Norteamérica”. La transformación se llevó a cabo mediante un circulo blanco pintado en la frente y, para la portada del álbum Aladdin Sane, un relámpago pintado en la cara. Bowie estaba decidido a que el personaje, esta vez, fuera su ciervo y no el amo de su autor.

Adieu!

El Conventillo les recomienda: "Velvet Goldmine"

Cover Museístico: Bohemian Rhapsody (por el ukelelista Jake Shimabukuro)

2011-08-17T23:21:00.001-03:00

Jimi Hendrix comenzó su carrera musical tocando el ukelele. Elvis Presley, Neil Young, George Harrison, Paul McCartney, George Benson y Brian May, entre otros, también fueron grandes digitadores del instrumento en cuestión. Su uso se popularizó en EEUU allá por los años 20 y actualmente está causando furor en todo el mundo (tal es así que en Londres hay una tienda, en pleno barrio de Brick Lane, que se llama “Duke of Uke” donde se puede encontrar una espectacular colección de ukeleles vintage de todas las marcas y colores).

Continuemos. Se lo ha asociado muchas veces con Hawai, pero sus verdaderos orígenes se encuentran en Portugal (a finales de 1870, los navegantes portugueses llevaron el pequeño instrumento a las islas hawaianas. Los nativos quedaron impresionados al ver los dedos moverse tan rápidamente entre las cuerdas, y lo denominaron ukelele, que significa “salto de la pulga”. En tan sólo una década, se convirtió en el instrumento más popular de Hawai).

Hace tan sólo un par de días, ví en Youtube un video con una versión maravillosa de 1 de los mayores éxitos del rock, Bohemian Rhapsody, de la banda británica Queen. Dicha versión fue realizada por Jake Shimabukuro, un virtuoso del ukelele, quien consigue evocar las voces y los instrumentos de la banda sin emplear más recursos que las 4 cuerdas de ese instrumento.

Con más de 7 discos en su etapa como solista, y con apenas 32 años, este hawaikino (descendiente en quinta generación de inmigrantes japoneses) ha dado la vuelta al mundo interpretando covers de rock, blues, flamenco, y jazz, además de algunas composiciones originales.

En fin...a veces las palabras sobran, y este es uno de esos casos. Espero que disfruten la genialidad de Jake Shimabukuro.

Adieu!

Objeto Museístico: El cigarrillo de Jean Paul Sartre

2011-06-24T17:36:00.002-03:00

Actualmente, en diversas partes del planeta, las leyes antitabaco están a la orden del día. Para algunos son leyes fascistas, para otros, leyes que salvan vidas.

De esta forma, en Francia se armó un gran debate en torno al famoso cigarrillo de Jean Paul Sartre. Veamos.

Desde 1991 hay una ley francesa que prohíbe la publicidad directa o indirecta del tabaco. La cuestión es que la severidad de esta ley llegó a tal punto que modificaron imágenes documentales de algunos de los iconos más importantes de la cultura francesa. Así es como bajo el reinado de esta norma se modificaron fotos de Jacques Tati, Alain Delon o del propio Jean-Paul Sartre (me imagino que para el escritor debe de ser muy duro la inmortalidad sin cigarrillos).

La pregunta es la siguiente: ¿Qué tan inconveniente es mostrar el cigarrillo de Jean-Paul Sartre y de otros íconos culturales franceses en tiempos de combate al tabaquismo?.

Esta pregunta se transformó en un problema político en Francia después que un diputado socialista, Didier Mathus, propusiera, mediante un proyecto de ley, modificaciones a la actual norma antitabaco francesa (es decir, exceptuar las imágenes culturales o de valor histórico de las publicaciones que rigen para la propaganda del tabaco).

Mathus también sostuvo que debido a esa ley, el servicio de transportes públicos parisino RATP modificó, en el año 2009, una imagen célebre para promocionar una retrospectiva de la obra del director de cine y comediante Jacques Tati.

La pipa que llevaba en la boca el famoso personaje de Tati, "Monsieur Hulot", mientras conducía una bicicleta, fue cambiada por un molinete amarillo.

En el caso de Alain Delon, el cigarrillo que fumaba en una fotografía suya de 1966 fue eliminado cuando la imagen fue empleada para una publicidad de perfume, también en el año 2009.

Y como si fuera poco, a Jean-Paul Sartre, se le desapareció, casi como por arte magia, un cigarro que mantenía entre los dedos en la fotografía que sirvió de cartel -y de primera página del catálogo- de una exposición organizada por la Biblioteca Nacional francesa en 2005.

El incidente dio paso a un titular ingenioso del periódico Libération de su tiempo: "El infierno es... el pitillo" (el autor de “Las palabras” fumaba Gitanes; ya en vida, Simone le escondía el tabaco y el vino, aunque no las mujeres. A pesar de ser extremadamente feo y bisco, seducía a cuanta femina se le cruzaba en el camino. Cuenta una escritora sartreana que Beauvoir anotaba en su diario los encuentros furtivos con las amantes y consentía que él practicara el concubinato. El infierno no eran sólo los otros, sino la misma compañera que le escondía sus inseparables cigarrillos).

Sigamos. Otro caso bastante sonado fue el del escritor y ex ministro de Cultura André Malraux que también se le eliminó el cigarrito que tenía en una célebre fotografía que le hizo Gisèle Freund y que sirvió de modelo para un sello de 1996.

Pero bueno, la cosa no terminó acá, pues los que también pusieron el grito en el cielo fueron los grupos anti-tabaco ya que advirtieron que el cambio iba a perjudicar las políticas de salud pública y beneficiar a la industria del cigarrillo, que buscaría aprovechar la "excepción" cultural para publicitar sus productos (el que tampoco se quedó callado fue Claude Evin, ex ministro socialista de Salud y autor de la ley de 1991, pues denunció que el cambio planteado respondía a "una manipulación de la industria del tabaco pero también de los profesionales de la publicidad").

En fin. El diputado escuchó las reiteradas críticas y retiró el proyecto, bajo promesa del gobierno francés de tomar medidas para proteger el patrimonio artístico y cultural del país sin retroceder en la lucha contra el tabaquismo.

Por último: Queridos míos, quería contarles que el tema del día de hoy no fue casual. No es mi estilo dar clases de moral, ni mucho menos, pero hace un tiempo que no posteo pues tuve un principio de neumonía y bronquitis aguda que se me complico debido al cigarrillo. Ahora ya estoy fantástica, pero la neumonóloga me ha prohibido volver a fumar. Ya hace 15 días que no toco un cigarrillo, y aunque es verdad que me la paso llorando, estoy muy nerviosa, me como todo lo que encuentro en el camino y veo gente muerta por todos lados (jeje), sé que si sigo por este camino voy a poder vencer este vicio tan nocivo para la salud.

Pd. Si el día de mañana ven alguna foto mía con un cigarrillo en la mano, no la modifiquen, ni la retoquen, ni nada por el estilo. Fueron épocas de glamour...

Adieu!.

Noticia Museística: Manson, un perro que lo arrastró el tornado de Alabama y regresó a su casa con 2 patas rotas

2011-05-30T18:59:00.003-03:00

Entre las diversas historias dramáticas que están relacionadas inevitablemente con las catástrofes, a veces surgen algunas noticias buenas. Este es el caso de Manson, un perro estadounidense que sobrevivió milagrosamente e incluso regresó a su casa.

Todo comenzó el pasado 27 de abril cuando un tornado azotó el estado de Alabama (EEUU).

Manson se había escondido en un garaje, pero los fuertes vientos lo levantaron y se lo llevaron con rumbo desconocido. Al caer a tierra, el perro se rompió 2 patas y tuvo varias lesiones que sin embargo no le impidieron emprender el viaje de regreso hacia su hogar.

La familia volvió pasados 20 días desde el siniestro y vio a Manson en las ruinas de la casa. Cuando un médico veterinario local supo la historia del perro propuso inmediatamente tratarlo gratis (fue sometido a una intervención quirúrgica de 2 horas de duración).

"Tuvo que arrastrarse con las 2 patas rotas para llegar a casa, que hasta hoy no podemos alinearlas perfectamente", dijo la Dra. Barbara Benhart, la veterinaria que atendió a Manson.

"Esta es, probablemente, la historia más dramática que he visto en cuanto a una lesión de un animal que ha sobrevivido tanto tiempo", dijo Phil Doster, un trabajador del refugio de animales.

Sigue siendo un misterio los kilómetros que Manson tuvo que caminar para regresar a su hogar, pero lo que sí se sabe con certeza es el profundo amor del perro hacia sus dueños.

Post dedicado a mis 3 bebes: Wilson, Frida y Pequeño Mckee.

Adieu!.

Personaje Museístico: El agente Romeo

2011-05-21T18:31:00.001-03:00

Los encantos masculinos han sido, y son, un arma extremadamente eficaz. Así lo demostró Markus Wolf, quien, entre 1953 y 1986, fue el jefe de la Stasi (la policía secreta de la República Democrática Alemana) y el creador de la “Estrategia Romeo”, una tropa de espías seductores que conquistaban los corazones de las secretarias de los organismos oficiales de la Alemania Occidental.

El perfil del agente Romeo era: “Un hombre de mediana edad, bien parecido, educado, que despertase confianza”, explicó Richard Meier, la mano derecha de Wolf durante aquellos turbulentos años. ¿Y quiénes eran sus objetivos? Pues las secretarias. “Buscábamos mujeres solteras de cierta edad”, seguía contando Meier.

El agente debía ganarse su confianza, haciéndolas creer en la posibilidad del matrimonio. Según relató Meier en sus memorias, uno de estos espías, un agente del que solo dio su nombre de pila, Felix, contactó con su víctima, Norma, secretaria del cónsul francés, en una parada de autobús. Meses después, se casaron, y tras el enlace, Felix le reveló a su esposa que era un espía; para entonces, ella ya estaba tan enamorada de él que no se pudo negar a colaborar. Poco tiempo después fueron descubiertos y Norma, avergonzada, se quitó la vida. “Nuestro plan causó muchas historias trágicas”, reconoce Meier; “hoy me opondría en redondo a hacer algo así”. Pero Meier y su jefe, Wolf, también cosecharon varios triunfos. Como colocar a uno de sus romeos, Günther Guillaume, casado con una funcionaria del Gobierno de Alemania Federal, como miembro del gabinete del presidente Willy Brandt. Cuando se supo que Guillaume era agente de la Stasi, Brandt no tuvo más remedio que renunciar.

Nacido el 19 de enero de 1923, en el sur de Alemania, Markus Wolf, hijo del dramaturgo judío Friedrich Wolf, emigró a Rusia junto con su familia a los diez años para huir del nazismo. De esa etapa le quedó el alias "Mischa", la formación escolar, el aprendizaje periodístico y el ingreso en el Partido Comunista en 1942, impulsado tanto por el adoctrinamiento soviético como por el fervor antifascista.

Markus también fue conocido como “El espía sin rostro” pues nadie logró saber cuál era su aspecto hasta que en el año 1978 un fotógrafo logró retratarlo en Estocolmo.

Se dice que la excelentísima película “La vida de los otros” (Das leben der anderen) está ligeramente inspirada en su figura. De hecho, Wolf se enamoró apasionadamente de Annekathrin Bürger, una actriz de la Alemania del Este a la que tenía que vigilar. Cuentan que se obsesionó tanto con ella que utilizaba su poder para mantener alejado a cualquier potencial amante…

En fin, el cultivado y elegante Wolf -cuya capacidad de seducción alguien llegó a comparar con la de Paul Newman-, falleció, en el año 2006, a los 83 años de edad. Según los expertos, Markus, que nunca estuvo en el Comité Central comunista de la RDA, jamás mordió la mano de quien le dio de comer, e incluso en su célebre autobiografía no develó ninguno de los secretos que fueron su material de trabajo durante 33 años.

Adieu!.

El Museo de las bicicletas

2011-04-16T16:29:00.003-03:00

La mayoría de los inventos, por no decir todos, son el resultado de intentar satisfacer una necesidad, imperiosa para algunos, de deleite para otros. También están los casos en que el invento aparece como una evolución de lo que en un principio era un divertimento intelectual, claro está.

La bicicleta es el resultado de la evolución de un juguete, para ser más precisa, el “Célérifère”. Como indica su nombre, el juguete nació en Francia, en 1791, en plena revolución francesa, de la mano del conde Mede de Sivrac (venía a ser un chasis macizo de madera con forma de animal y con dos ruedas con el que sólo se podía ir en línea recta). Este juguete de niños ricos y que los ingleses plagiaron creando su propio Dandy Horse permaneció inalterado hasta el año 1879 cuando el francés Guilmet y el británico Harry John Lawson incorporaron la cadena entre 2 engranajes (el plato y el piñón). En el año 1884 aparece la primera bicicleta con transmisión a cadena con las 2 ruedas iguales obra de John Kemp Starley conocida como Rover Safety Bicycle. Sin duda, este modelo (bautizado como “bicicleta segura”) hay que considerarlo como el precursor de la moderna bicicleta.

Sigamos. De niños todos hemos soñado con tener una, y hoy en día, es raro encontrar una persona que no sepa montar en bici. Su versatilidad y el bajo precio han hecho que se extendieran por todas partes del planeta. Los carteros y canillitas, entre otros, la utilizan como una herramienta de trabajo. China es su capital mundial (una cada tres habitantes) y como si fuera poco ahora la usan con motor y todo. En fin, la pasión y el fanatismo por este vehículo de 2 ruedas hizo que varios hicieran museos (y locuras) en su honor.

El Museo de bicicletas de Storkow, Alemania, abrió sus puertas en el año 2009 y actualmente cuenta con más de 120 modelos en exhibición. La colección incluye el mayor tándem creado, de 6 metros de longitud, o la bicicleta más grande del mundo (7.80 metros), presentes en el Libro Guinness de los Récords. El alemán que lo dirige se llama Dieter "Didi" Senft, un ex ciclista, inventor y diseñador de bicicletas.

“Didi” se hizo conocido por sus estrafalarias apariciones en el “Tour de Francia” y otras vueltas ciclistas, donde anima a los corredores disfrazado de diablo con un tridente. Didi está presente en la ronda gala desde 1993, y también ha hecho acto de presencia en otras competiciones como el Giro de Italia, la Vuelta a España o la Vuelta a Alemania. Por ello, algunos medios de comunicación también se refieren a él como El Diablo del Tour o simplemente El Diablo.

Didi es tan famoso que incluso tiene patrocinadores personales, que le han permitido costearse sus numerosos viajes. Los aficionados lo buscan como si fuera una gran estrella. Fotos, autógrafos, grabaciones de vídeo... y Didi siempre, pero siempre, sonriendo.

Nacido en 1952, Didi se ha convertido para el ciclismo en lo que “el bombo de Tula” es para los peronistas y la selección argentina de fútbol. Su presencia es inevitable, simpática... y hasta necesaria.

En fin. Si recorren la bella Alemania, visiten este encantador Museo y saluden de mi parte al ocurrente y gracioso Didi Senft. Ya están avisados.

Adieu!.

Personaje Museístico: Jaime Escalante, el profesor de Matemáticas de los pobres

2011-04-03T20:30:00.008-03:00

Además de ser declarada “la mejor serie de televisión de todos los tiempos”, Los Simpson destaca por la gran cantidad de “citas eruditas” que presenta en cada episodio (no por nada muchos de los guionistas y productores de la serie son físicos, matemáticos e ingenieros - y hasta encontramos un profesor de la universidad de Yale-).

De esta forma, en el séptimo episodio de la temporada 14 de Los Simpson, la maestra Krabbappel es nominada al premio de Maestra del año, pero al final pierde el premio a manos de un tal "Julio Estudiante, por haber enseñado a los estudiantes que las ecuaciones diferenciales son más poderosas que las balas”.

Ahora bien. ¿Quién es, o mejor dicho, a quien alude Julio Estudiante?.

Veamos. Este “Julio Estudiante” no es nada más ni nada menos que Jaime Escalante, un profesor de matemáticas nacido en La Paz, Bolivia, que enseñaba en una escuela de los barrios bajos de Los Ángeles y que logró que sus alumnos sobresalieran en matemáticas compitiendo con estudiantes de las mejores escuelas del país. A continuación su historia.

Jaime Alfonso Escalante Gutierrez era uno de los hijos de una pareja de maestros bolivianos. Durante el tiempo que vivió en Bolivia enseñó Física y Matemáticas a personas de condición extremadamente humilde, por espacio de 12 años.

En 1964 decidió emigrar a Puerto Rico e inició su preparación universitaria en aquel país estudiando Ciencias y Matemática. Posteriormente, emigró a EEUU, específicamente al estado de California, y como no dominaba bien el inglés y sus credenciales como profesor no eran válidas para ejercer la enseñanza, comenzó a estudiar de noche en el Colegio de la Ciudad de Pasadena. Luego ingresó a la Burroughs Corporation, y finalmente a la Universidad Pública de California donde obtuvo el grado de Matemáticas. Fue alumno del destacado matemático estadounidense Louis Leithold.

Hacia 1974 comenzó a dar clases en la Garfield High School, ubicada en uno de los barrios más pobres del este de Los Ángeles, California. En un principio, Escalante estaba desalentado por la deficiente preparación de sus estudiantes, pero rápidamente cambió de opinión al encontrar a 12 estudiantes quienes deseaban recibir preparación en Álgebra.

Cuatro años más tarde, Escalante alentó a sus alumnos a que dieran los exámenes para la acreditación anticipada de materias universitarias. De los 5 estudiantes que rindieron el examen, 4 de ellos lo aprobaron…

En 1982 se inscribieron 18 alumnos y esta vez aprobaron todos con calificaciones superiores a las de las escuelas más caras y prestigiosas del país. Pero, crease o no, 14 de esos exámenes fueron anulados por sospechas de fraude (claaaro, ¿a quién se le ocurre que unos inmigrantes muertos de hambre puedan sacar mejores notas que los niños ricos de Beverly Hills?). Sin palabras.

Continuemos. El caso, desde ya, ganó bastante notoriedad en EEUU pues varias organizaciones pusieron el grito en el cielo. Distintas acusaciones de racismo –debido al origen humilde y latino de los estudiantes- lograron que el examen fuera repetido. Esta demás decir que TODOS volvieron a aprobar…

Este episodio inspiró al escritor Jay Mathews para escribir el libro “Escalante: The Best Teacher in America” presentado al público en 1988 y sirvió de base para la película “Stand and Deliver” (literalmente “póngase de pie y diga la lección), conocida en Latinoamérica como: "Con ganas de triunfar" o "Lecciones inolvidables" .

Jaime Escalante, después de una larga batalla contra el cáncer, falleció el 30 de marzo de 2010 a la edad de 79 años cuando se encontraba en la casa de su hijo en Sacramento...

Un dato por demás curioso: según “Los Angeles Times”, fue Edward James Olmos (el actor que representó a Jaime Escalante en el filme “Con ganas de triunfar”) quien lo acompañó hasta sus últimas horas de vida, el cual dijo que el profesor "murió rodeado de sus hijos y nietos".

Adieu.

Archivo Museístico: El niño que donó 1000 dólares al Presidente Clinton.

2011-03-20T20:05:00.000-03:00

A los 11 años, un escolar norteamericano se convirtió en empresario. A los 14, facturaba 50.000 dólares anuales y realizaba contribuciones benéficas, entre ellas, a la Casa Blanca. Aquí su historia.

Se llama Larry Villella y en aquel entonces tenía 14 años. Iba al colegio secundario y tenía amigos con los que jugaba a los flippers, como cualquier chico de su edad. Pero Larry no era igual a los demás adolescentes: dueño de un ingenio poco común, cuando tenía 11 años se convirtió en empresario creando una fábrica de elementos de jardinería. La empresa se llamaba “Conserv Products”, y su producto estrella era un aspersor para regar arbustos y árboles pequeños. Villella fabricaba todo lo que vendía en un pequeño taller que él mismo construyó en el fondo de su casa de Fargo (Dakota del Norte).

Pero lo que llevó a este escolar a la primera plana de todos los diarios de su país fue el insólito gesto que protagonizó en el año 1993. Larry decidió enviar un cheque de su propia cuenta bancaria, por un valor de 1000 dólares, a la Casa Blanca. Su destinatario: el presidente Bill Clinton. El objetivo: contribuir al incremento de los recursos presupuestarios de los EEUU. Ni lento ni perezoso, Clinton llamó por teléfono a Larry (mientras viajaba desde California a Seattle), para agradecerle su donación.

CLINTON- Larry, es el presidente Clinton. ¿Cómo estás?

LARRY- Muy bien. Es un placer hablar con usted.

CLINTON- Acabo de escuchar que me has enviado un cheque de 1000 dólares. Te lo agradezco.

LARRY- Bueno. Espero que pueda usarlo para la economía.

CLINTON- Bueno, creo que podemos. Una de las cosas que le he pedido a mis asesores, ya que los ciudadanos no tienen la costumbre de enviar dinero de esta manera, es que me informen legalmente para saber si puedo recibirlo y gastarlo de la manera que se desee. Creo que es algo notable para un joven norteamericano de 14 años de edad, y también es muy impresionante que usted tenga un negocio tan exitoso que le dé la posibilidad de darse el lujo de hacer esto. ¿Cuánto tiempo lo has estado haciendo?.

LARRY- Desde hace unos 3 años.

CLINTON- ¿Y lo haces durante todo el año?

LARRY- Si, durante todo el año, excepto durante el invierno, que tenemos una menor venta en los rociadores.

CLINTON- ¿Y cuáles son los volúmenes de ventas?, ¿Cuánto venden cada año?

LARRY- Bueno, hasta ahora hemos vendido 3.000 y que ha sido dividido entre los 3 años ya que recién estoy empezando

CLINTON- Creo que es bastante bueno. ¿Qué quieres hacer cuándo termines la escuela secundaria?

LARRY- Quiero ir a la universidad, a la escuela de medicina.

CLINTON: Eso es genial. Bueno, en el momento en que usted termine la escuela de medicina y sea un cardiólogo, el pueblo estadounidense va a vivir mucho más tiempo, ya nadie estará preocupado por sus corazones (risas).

LARRY- Eso espero

CLINTON- Bueno, espero ciertamente poder llegar a conocerte algún día. Realmente estoy muy impresionado de que hayas hecho esto. Creo que eres un símbolo de lo mejor en este país, y estoy orgulloso de ustedes, los jóvenes, y les doy las gracias por hacer esto. Yo voy a estar de nuevo en contacto con usted para comentarle lo que vamos a hacer con su dinero.

LARRY- Muy bien. Gracias. También me gustaría encontrarme con usted.

CLINTON- Eso es fantástico. Salude a su familia de mi parte y que tenga un buen día, ¿de acuerdo?.

LARRY- Esta bien, gracias.

CLINTON- Adiós

LARRY- Adiós.

En fin…los años pasaron para Larry Villella y las cosas no le fueron tan bien como esperaba. Recientemente un juez lo condenó tanto a él como a su esposa a la pena de un año (por lo que será libertad condicional supervisada) por estafar a su padre (si, el de Larry) por la suma de 100 mil dólares. Anteriormente el ex niño dorado de EEUU también fue acusado de reiteradas estafas y aplicación indebida de la propiedad confiada. Lo último que se supo es que Larry pidió disculpas durante su condena.

Ahora me pregunto: ¿Clinton también se habrá enterado de lo que hizo el pequeño símbolo de EEUU ya de mayorcito?.

Adieu!.

El Conventillo Varieté: El amor oculto de la reina Victoria y su sirviente indio

2011-03-15T23:28:00.002-03:00

Al parecer, los chimentos sobre la reina Victoria de Inglaterra (1819-1901) están a la orden día. Hace muy poco tiempo les conté sobre el acosador que le robó sus “prendas intimas”, bueno, ahora les voy a contar que (según una serie de cartas, fotografías y documentos encontrados por la historiadora Shrabani Basu) la reina Victoria mantuvo en secreto una affaire con su sirviente indio Munshi Abdul Karim (la historiadora utilizó todo el material recolectado para la creación de su libro “Victoria and Abdul”, en dónde cuenta todos los detalles de esta apasionada relación).

Karim (que por lo que se cuenta era muy atractivo) tenía sólo 24 años cuando, en 1887, arribó a Inglaterra, de Agra, para servir en la mesa de Victoria durante el año del Jubileo Dorado. El joven había sido trasladado a la corte como “regalo de la India” (pero en poco menos de un año, el sirviente se convirtió en una de las figuras más poderosas de Palacio, alcanzando el título de maestro o “munshi” de la reina, principalmente en el aprendizaje del idioma Urdu y de la política india).

“En cartas escritas por Victoria a su sirviente, ella le escribe como ‘tu adorada madre y ‘tu amiga más cercana’, e incluso se despide ‘con gran cantidad de besos’ (algo muy inusual en la época, y más aún viniendo de la reina Victoria”, declaró Basu). La historiadora también dijo que “Victoria incluso pasó una noche sola con Karim en una cabaña en el Highlands escocés, un hecho que conmocionó a los cortesanos de Palacio, que buscaron ocultarlo a toda costa”.

Ahhhh …cuantas películas se han rodado y cuántos libros se han escrito sobre estas relaciones tan prohibidas y apasionantes… sin duda alguna, los sirvientes reales han sido siempre fuente de atracción por su proximidad con los poderosos…

Adieu!.

Canción Museística: Hey Jude (The Beatles)

2011-03-13T20:22:00.007-03:00

Debido a la omnipresente y excéntrica Yoko Ono, no muchos se acuerdan de Cynthia Powell, la primera esposa de John Lennon. La misma suerte corrió su hijo Julian que fue opacado por su medio hermano Seann, el segundo hijo de Lennon, que parece una excelente combinación genética de sus progenitores.

Cynthia, de una personalidad totalmente opuesta a la de Yoko, pasó inadvertida en la vida pública de Lennon (fue el mismo beatle el que fomentó el anonimato de su mujer y de su hijo para no afectar la popularidad del grupo). De esta forma vivieron alejados de los medios y de la publicidad de la Beatlemanía hasta que se conoció la aventura amorosa que Lennon mantenía con la oriental, razón por la cual Cynthia terminó divorciándose, en 1968, del beatle.

Por aquel entonces, Paul McCartney mantenía una amistad muy grande con Cynthia, y sentía un cariño especial por el pequeño Julian. Al respecto McCartney decía: “Hemos sido buenos amigos durante muchísimos años y creo que es excesivo considerarlos persona non grata y sacarlos de mi vida”.

Por su parte, Cynthia recordaba: “Me sorprendí totalmente cuando, una tarde, Paul llegó por su cuenta. Estaba conmovida por su preocupación acerca de nuestro bienestar. En el camino hacia aquí compuso “Hey Jude” en el automóvil. Nunca olvidaré el detalle de Paul de preocuparse por venir a vernos”.

Veamos. El título original del tema era “Hey Jules”, y fue creado con la intención de consolar al pequeño Julian del profundo dolor causado por el divorcio de sus padres. Decía Paul al respecto: “Comencé con la idea de “Hey Jules” (que era Julian), don't make it bad, take a sad song and make it better (no lo estropees, toma una canción triste y mejórala). Sabía que no iba a ser fácil para él. Siempre me sentí triste por los niños en los divorcios... Para cuando llegué ya tenía la idea para la canción. Lo cambié a “Jude” porque pensé que sonaba mejor.

Pues bien. Ahora sabemos que “Jude” no es “Jude” sino “Julian” o “Jules”, y a pesar del casi trabalenguas que acabo de escribir, lo que nos queda claro es que Paul McCartney escribió un hermoso himno para consolar a un niño.

En el libro de Steve Turner “The Stories Behind Every Beatles Song” (Las Historias detrás de cada una de las canciones de Los Beatles), Julian dijo: “Paul me contó que había pensado en mis circunstancias, sobre lo que yo estaba pasando y lo que me estaba sucediendo. Paul y yo solíamos estar juntos bastante –mucho más de lo que papá y yo estábamos-. Pareciera que hay muchas más fotografías de Paul y yo jugando, durante esa edad, que de papá y yo. Realmente yo nunca quise saber la verdad de cómo era papá y cómo él era conmigo. Había algunas cosas muy negativas, como cuando dijo que yo había salido de una botella de whisky una noche de un sábado. Es algo duro para lidiar. Tú piensas ¿dónde está el amor en eso?... Me sorprende cada vez que escucho la canción. Es extraño pensar que alguien ha escrito una canción sobre ti. Todavía me pega”. (Lo más curioso es que el protagonista del tema, Julian Lennon, se enteró 25 años más tarde que este tema era para él).

Paradójicamente, las vueltas y los egos de la vida hicieron que John Lennon pensara que el tema “Hey Jude” había sido escrito para él. Con respecto a esto, el beatle decía lo siguiente:

“Siempre la oí como una canción dedicada a mí. Si piensas al respecto... Yoko entra en la imagen. Él dice: “Hey, Jude -Hey, John. Sé que estoy sonando como uno de esos fanáticos que se involucran demasiado con algo, pero puedes escucharla como una canción para mí... Inconscientemente, él dijo: Sigue adelante, déjame. En un nivel consciente, él no quería que siguiera adelante…”.

En fin. En el año1996, la letra original de “Hey Jude” fue vendida en 40.000 dólares en una subasta en Sotheby´s. Al poco tiempo se supo que el comprador fue nada más y nada menos que el mismísimo Julian Lennon.

“Yo no heredé ningún recuerdo, fue muy triste para mí y mi familia", dijo. "Casi todo lo que poseo ahora, tuve que comprarlo en una subasta…".

Adieu.

Costumbre Museística: La fotografía post mortem

2011-03-07T01:14:00.001-03:00

“Ésta es una época nostálgica, y las fotografías promueven la nostalgia activamente. La fotografía es un arte elegíaco, un arte crepuscular. Casi todo lo que se fotografía, por ese mero hecho, está impregnado de patetismo. Algo feo o grotesco puede ser conmovedor porque la atención del fotógrafo lo ha dignificado. Algo bello puede ser objeto de sentimientos tristes porque ha envejecido o decaído o ya no existe. Todas las fotografías son “memento morí”. Hacer una fotografía es participar de la mortalidad, vulnerabilidad, mutabilidad de otra persona o cosa, precisamente porque seccionan un momento y lo congelan. Todas las fotografías atestiguan la despiadada disolución del tiempo”. (“Sobre la fotografía”, Susan Sontag).

La fotografía post mortem fue una práctica que nació casi con la misma fotografía, un 19 de agosto de 1839, en París, Francia (pero tiene antecedentes en el Renacimiento, donde la técnica era el retrato por medio de la pintura en el llamado memento mori, una frase latina que significa "Recuerda que morirás" en el sentido de "Recuerda que eres mortal". Suele usarse para identificar un tema frecuente, o tópico, en el arte y la literatura que trata de la fugacidad de la vida).

Tan pronto como el daguerrotipo se popularizó comenzaron a aparecer las primeras fotografías de difuntos. Tras la muerte, la familia del fallecido se enfrentaba cara a cara con la desaparición del mismo y sólo el registro de su imagen les permitía conservar un último recuerdo del aspecto del ser amado.

Muy escasas al principio, el número de imágenes post mortem fue creciendo a medida que la adquisición de una fotografía se convertía en algo más o menos “común”. En 1860 prácticamente todos los miembros de la sociedad podían costearse el pago de un retrato, lo que popularizó en gran medida la difusión de los mismos.

En los primeros tiempos, generalmente se retrataban a los difuntos como si estuvieran dormidos, lo que otorgaba a los mismos una imagen de naturalidad (al tiempo que simbolizaba el “eterno descanso”), pero también fue muy común disponer los cadáveres de manera tal que simularan estar realizando algún acto cotidiano, proceso que incluía, en muchos casos, abrir los ojos del difunto utilizando utensilios diversos (por ejemplo la cucharita de café). Muchos de los fotógrafos de aquel entonces se convirtieron en auténticos expertos del maquillaje, llegando a obtener, en algunos casos, resultados sensacionales y en otros, bastante patéticos (hay muchas fotografías en dónde se los muestra almorzando o cenando en la misma mesa con sus familiares vivos, o bebés difuntos en sus carros o en el regazo de sus padres. Con respecto a este tema, resulta llamativo ver en las fotografías la aparente entereza de los adultos, que siempre se muestran serenos e imperturbables, y en algunos casos hasta sonrientes, pero debemos recordar que en la época en que se tomaban estas fotografías la tasa de mortalidad era prácticamente igual al número de nacimientos. La gran mayoría de las familias tenía aproximadamente entre 8 y 10 hijos de los cuales solían morir la mitad, o más).

El final de la fotografía post mortem llegó a mediados del siglo XX, con la popularización de las cámaras fotográficas modernas, que permitieron fotografiar a la gente en vida realizando distintas actividades. Sin embargo, esta actividad se sigue practicando aún cuando el personaje fallecido resulta muy importante o famoso, ya sea para documentar algún medio de prensa, o como recuerdo de la celebración funeraria en sí misma.

En fin, para algunos estas fotografías son dignas de una película de terror (¿recuerdan la película “Los otros”, del director y guionista Alejandro Amenábar?. Allí aparecen varias fotografías de difuntos, se las recomiendo). Para otros, una costumbre que ha servido como sustituto o recordatorio de la pérdida del ser amado…

“El atractivo de las fotografías reside en que también parecen tener la categoría de objetos encontrados, rebanadas no premeditadas del mundo. Así, trafican simultáneamente con el prestigio del arte y la magia de lo real. Son nubes de fantasía y cápsulas de información. (Susan Sontag).

Adieu.

Experimento Museístico: Zuri, la bebé gorila y Eliza, la bebé humana

2011-02-28T21:31:00.000-03:00

Zuri es una gorila que nació por cesárea. La falta de interés de su madre estuvo a punto de matarla de hambre y la condenó al peor castigo para su especie: la soledad y marginación de sus congéneres. Esta situación es incompatible en el desarrollo físico y mental de estos primates.

Por este motivo los veterinarios del zoológico de Cheyenne (Colorado, EEUU), decidieron remediarlo y en lugar de recurrir a un muñeco artificial, consideraron la posibilidad de experimentar con un bebé de la misma edad que Zuri. Dio la casualidad de que la directora de marketing había tenido una hija casi al mismo tiempo en que la pequeña Zuri vino al mundo. No fue para nada difícil convencerla para que Eliza, que en el momento de la experiencia tenía 18 meses, se convirtiese en quien ayudara a la simia a alcanzar un desarrollo físico y emocional adecuado.

Cuando Zuri, la bebé gorila, y Eliza, la bebé humana, se encontraron por primera vez, ambas se quedaron mirándose durante un largo tiempo.

Permanecieron frente a frente sorprendidas, (y por qué no, encantadas) hasta que, de repente, ambas se apartaron. Los juguetes las tranquilizaron y no hubo que esperar demasiado para que, finalmente relajadas, compartieran y jugaran sin mostrar la menor desconfianza. Parecían 2 amiguitas del mismo jardín de infantes.

Veamos. Entre los grandes monos, los gorilas son los más tímidos. El grado de inteligencia de este grupo es, no obstante, el más elevado de todos los simios.

Para determinarlo con más exactitud, la Facultad de Psicología de Barcelona, junto con el Zoo de esa ciudad, realiza, desde el año 1998, una investigación en la que también se interactúa con chimpancés, bononos y otros simios. Se trata de conocer su capacidad de autorreconocimiento frente a un espejo (el uso del espejo se ha mostrado como un buen instrumento para determinar el nivel de autoconciencia, una facultad sólo presente en especies con cierto grado de racionalidad).

La experiencia se realizó con 100 chimpancés, la mitad de ellos con menos de 6 años. Entre los mayores de 6 años, el 80% se reconoció en el espejo, mientras que entre los menores de esa edad sólo lo hizo el 10%. En la especie humana, el mecanismo es idéntico, si bien la maduración tarda más en llegar. Por el contrario, con todos los gorilas se obtuvieron resultados negativos (excepto en un caso, el de la famosa Koko, la gorila que aprendió a hablar mediante signos. Ella sí se reconocía frente al espejo).

Mientras tanto, en Cheyenne, la pequeña y hermosa Zuri, sin utilizar ningún espejo, aprendió lo que es su reflejo. Aunque este sea de piel blanca, rubio y se llame Eliza.

Adieu!!.

El Conventillo Varieté: El primer virus informático

2011-02-25T22:56:00.001-03:00

El primer virus informático fue creado en el año 1972 y se llamó Creeper (atacó una máquina IBM Serie 360).

Creeper emitía periódicamente en la pantalla el mensaje: “I'm a creeper... catch me if you can!” (¡Soy una enredadera... agárrame si tú puedes!). Para eliminar este problema se creó el primer programa antivirus denominado Reaper (cortadora).

Sin embargo, según la web especializada Security Focus, el primer virus informático conocido que tuvo una expansión real (y no como un concepto de laboratorio) fue “Elk Cloner”, un programa creado en 1982 por Rich Skrenta, un adolescente de tan sólo 14 años.

El virus Elk Cloner se propagaba infectando los disquetes del sistema operativo de las computadoras Apple II (cuando la computadora arrancaba desde un disquete infectado, también lo hacía el virus de forma automática).

Elk Cloner, como muchos de los primeros virus, no se diseñó para realizar daño alguno de forma intencionada, pero sí para ser molesto: en cada arranque número 50 con un disco infectado, el virus “recitaba” el siguiente poema:

Elk Cloner: The program with a personality

It will get on all your disks

It will infiltrate your chips

Yes it's Cloner!

It will stick to you like glue

It will modify RAM too

Send in the Cloner!

Cuya traducción sería:

Elk Cloner: El programa con personalidad

Obtendrá todos tus discos

se meterá en tus chips

¡Sí, es Cloner!

Se pegará a ti como pegamento

cambiará también tu RAM

¡Pásalo, Elk Cloner!.

En fin, el mencionado “amiguin” está en una lista elaborada por Trend Micro de los 20 virus más importantes y dañinos de la historia. Algunos de los mismos son:

PAKISTANI BRAIN (1988): el primer virus que infectó el PC de IBM y fue escrito por dos hermanos de Pakistán. Este fue el primer virus que recibió amplia cobertura de los medios, aunque los virus ya se conocían en la ciencia ficción.

JERUSALEM FAMILY (1990): se contabilizaron casi 50 variables de este virus, que se cree salió de la Universidad de Jerusalén.

STONED (1989): es el virus que más se propagó en la primera década de los virus. Stoned infectaba el sector de arranque/.mbr que contaba el número de reinicios desde la infección original y mostraba la frase “your computer is now stoned”.

MICHEANGELO (1992): una variante de STONED, con una carga destructiva. El 6 de marzo, este virus borró los primeros 100 sectores de un disco duro, dejándolo inútil. Provocó uno de los primeros pánicos mediáticos alrededor de los virus de equipos informáticos.

WORLD CONCEPT (1995): el primer macro virus para Microsoft Word. Word Concept escribía la frase “That’s enough to prove my point”. Inició la segunda era de los virus y fue importante en el sentido de que llevó los virus a un nivel de hackers mucho menos avanzado.

MELISSA (1999): es el primer virus que se propagó vía correo electrónico y realmente marcó el inicio de la era de los virus de Internet. El devastador virus Melissa combinó virus y gusanos para propagarse e infectar a millones de usuarios. Si bien Melissa no fue destructivo, sí se replicaba y saturaba los buzones de correo a dondequiera que llegaba.

ILOVEYOU(2001): es el gusano para correo electrónico más popular, motivado únicamente por la ingeniería social. Es un excelente ejemplo de esta técnica, que invitaba a las “románticas” víctimas a abrir el archivo adjunto con la promesa de una carta de amor. El virus se propagó rápidamente por todo el mundo, provocando fallos en el correo electrónico y pérdidas a las compañías por varios miles de millones de dólares.

ROOTKITS (2005): se han convertido en una de las herramientas más populares en el mundo del código malicioso. Se usa para hacer invisible a otros códigos maliciosos alterando el sistema operativo.

Por último: la denominación "virus informático" fue introducida en el año 1983 por el investigador Fred Cohen, quien usó tal concepto para referirse a sus experimentos de códigos autorreproducibles. Sin embargo, la producción masiva de tales códigos surgió luego del lanzamiento del libro "Neuromancer" de William Gibson, que sirvió de fuente de inspiración para muchos escritores de virus.

Adieu!!.

Leyenda Museística: Walt Disney está congelado

2011-02-22T20:18:00.000-03:00

Enfermo de un mal incurable, se dice que el cuerpo del creador del Ratón Mickey y el Pato Donald todavía yace congelado en un lugar secreto de California, dentro de una cámara criónica especial, que lo conserva en un estado de vida latente. Si esto fuera cierto, Walt Disney podría volver a vivir plenamente dentro de algunos años, cuando la ciencia ya haya logrado encontrar la cura a su terrible enfermedad. Algunos dicen que, en verdad, sus restos fueron cremados. Lo cual, sin lugar a duda, aumenta todavía más el misterio que envuelve su desaparición.

Supuestamente, esta leyenda comenzó al día siguiente de que Disney ganara su Oscar número 29 durante una entrevista que ofreció a “The New York Times”. El diario reprodujo el siguiente diálogo entre el periodista y el dibujante:

NYT-¿Cree usted, señor Disney, que el suyo es un trabajo artístico?.

WD- No. Muchos críticos afirman eso, pero lo mío no es arte, es simple show business. Mis películas ayudan a vender popcorn en los cines, y a mi me encanta el popcorn.

NYT- Sus filmes tienen todos argumentos similares. Los buenos son muy buenos y los malos, muy malos. Todos terminan en forma convencional. ¿Por qué ese encasillamiento?.

WD- Yo amo la vida. Me agrada tanto vivir que me gustaría ser inmortal para ver cómo dentro de muchos años los chicos siguen disfrutando con mis películas. Todas las mañanas, cuando me despierto, experimento una gran alegría. Soy un hombre simple al que le gusta practicar la bondad; tengo la risa fácil y me gusta estar aquí, en este mundo donde, si bien hay muchas tristezas, todo está vivo, maravillosamente vivo…

El 15 de diciembre de 1966, cuando murió luego de un complicado cáncer de pulmón, una leyenda comenzó a tejerse en torno a Walt Disney. Sin que hubiese confirmación por parte de su familia, se aseguró (en varios lugares) que su cuerpo había sido sometido a un tratamiento criogenético que mantenía su cuerpo congelado. Se dijo entonces que el artista se sometió a ese procedimiento con la esperanza de que, pasados algunos años, la medicina encontrara la forma de derrotar al cáncer. De esa manera, él podría resucitar para seguir viviendo todavía algún tiempo más…

¿Qué hay de cierto, entonces, en este mito hilvanado alrededor de Disney?.

Veamos…En 1966, a los 65 años, Walt arrastraba una vieja dolencia en la columna vertebral que se le había producido mientras disputaba un partido de polo y por eso los médicos supusieron que los fuertes dolores que padecía en el cuello y la espalda eran consecuencias de ese antiguo mal. Internado en el hospital Saint Joseph, ubicado justo frente a sus estudios de Burbank, California, le fue detectado un tumor canceroso en el pulmón izquierdo. Pocos días después de ser operado fue dado de alta y regresó a su casa de Palm Spring.

El 30 de noviembre volvió a ser hospitalizado, pero la familia negó que su mal se hubiese agravado: sólo se informó que estaba siendo sometido a un chequeo general. El 5 de diciembre, día de su cumpleaños, apareció en los noticieros dibujando en la cama los nuevos escenarios para la película “El libro de la selva” que, en ese entonces, se estaba filmando. El 15 de ese mismo mes la noticia de su muerte sorprendió a todo el mundo.

No hubo velorio ni ceremonia fúnebre alguna y nunca se supo qué había pasado con su cuerpo. Se dijo que había sido cremado en la mayor intimidad y sus cenizas depositadas en una urna, pero nadie vio nunca una fotografía de ese momento (cosa bastante rara en un personaje de la fama de Disney) ni tampoco se supo qué destino final tuvieron sus cenizas. Creció, así, la leyenda de su congelamiento y de su posible vuelta a la vida…

Finalmente, en el año 2004, un periodista entrevistó al sobrino de Disney, el cual reveló uno de los enigmas más grandes de la humanidad…

Entrevista a Roy Disney (74), cineasta y sobrino de Walt Disney.

P -He crecido convencido de que Walt Disney, al morir, pidió que lo congelasen...

R - Ya, ya, para volver un día a la vida, ¿no?

P - Eso es: cuando la ciencia lo permita.

R - Pues olvídelo: mi tío Walt no está congelado, criogenizado, hibernado ni nada. A los dos días de su muerte, lo incineramos. Y sus cenizas reposan en un cementerio a pocos kilómetros de mi casa.

P- ¿De dónde surgió ese rumor, entonces?

R- De las ganas de que Disney viviese... ¡Ojalá! De nuestra ansia de inmortalidad...

Esta bien, finalmente el misterio ha sido develado... Walt Disney no está en una cubetera; pero ahora me viene a la cabeza otra pregunta ¿Elvis está vivo?.

Adieu!.

Personaje Museístico: Boy Jones, el hombre que robó los calzones de la reina Victoria

2011-02-16T21:40:00.000-03:00

Un escritor inglés descubrió la increíble historia del primer acosador de celebridades en Gran Bretaña, un joven de 14 años que ingresó al Palacio de Buckingham y robó unos calzones de la reina Victoria de Inglaterra (1819-1901).

A partir de varios artículos periodísticos del siglo XIX, Jan Bondeson, que trabaja para la Universidad de Cardiff (Gales) escribió el libro “Queen Victoria’s Stalker” (El acosador de la Reina Victoria) que no hace mucho salió a la venta.

Entre 1838 y 1941, este muchacho conocido en Scotland Yard como Boy Jones (el chico Jones) ingresó secretamente 3 veces al Palacio de Buckingham, en pleno centro de Londres, y en cada una de esas ocasiones estuvo a pocos metros de la recién coronada reina antes de ser detenido (se sabe que el joven Jones se sentó en el trono real, durmió en una de las camas de la reina, se metió en 1 de los apartamentos privados de Victoria, y hasta leyó algunas de sus cartas). En una oportunidad, el muchacho fue atrapado infraganti mientras escapaba de la alcoba real con un par de sus calzones escondidos en su pantalón.

La reina, de 19 años por aquel entonces, escribió en su diario privado: “Suponiendo que él hubiera entrado a la habitación, cuánto miedo hubiera sentido”.

Jones, en un primer juicio, fue juzgado por el robo en una corte de Londres. Pero tras los hechos posteriores, fue juzgado en secreto, claro está, para evitar el escándalo a la realeza (¿se imaginan los titulares?: “Último momento: Pequeño ladrón le roba los calzones a la Reina”. Sin comentarios).

Sigamos. En 2 oportunidades fue sentenciado a trabajos forzados, pero cada vez que salía de prisión lograba introducirse en el Palacio de Buckingham. Finalmente, el Gobierno británico decidió trasladarlo a Australia para mantenerlo bien alejado de la reina Victoria y de su esposo, el príncipe Alberto.

Lo ocurrido con el joven fetichista fue descubierto por Bondeson, tras una larga investigación. “La historia es poco conocida debido al velo de secretismo que rodeó al caso, pero Jones fue el primer acosador de celebridades”, sostuvo el autor, que vive en Newport (Gales).

“Lo increíble del caso -agregó- es cuán cerca logró estar el joven de la reina y cuán grande fue el esfuerzo del Gobierno por deshacerse de él. Estaban preocupados acerca de lo que Boy Jones pudiera decirle a la gente. Nadie sabía que había visto u oído en el Palacio”. Por último, Bondeson dijo que “Edward Jones era un personaje muy extraño y, excepto la Reina Victoria, nunca estuvo interesado en las mujeres.

Jones terminó sus días trabajando como vendedor de pasteles en Australia. Murió el 26 de diciembre de 1893, a los 70 años, tras caer de un puente, supuestamente ebrio.

En fin…no sabemos el motivo por el cual el pequeño Jones quería las bombachas de la reina. ¿Objeto fetiche?, ¿amuleto?, ¿talismán?, ¿amor?, ¿admiración?... saquen ustedes sus propias conclusiones.

Adieu!.

Personaje Museístico: Los siameses Bunker

2011-02-13T01:43:00.001-03:00

“Jugar el uno con el otro nos produce el mismo placer que le produciría a usted jugar con su mano derecha contra su izquierda”. Esta frase se atribuye a Chang y Eng Bunker, dos maestros del ajedrez del siglo pasado.

Su sentimiento de unidad era tal que, según cuentan las crónicas de la época, uno empezaba la frase y el otro la terminaba. Casi nunca se hablaban entre sí, lo que justificaban diciendo que todas las cosas que veían les producían la misma impresión, y casi podría decirse que carecían de historia individual. Porque, según como se mire, Chang y Eng no eran 2 sino 1. Nacieron unidos por el esternón y por un cartílago, y sus hígados estaban fusionados.

Chang y Eng nacieron en 1811 en un pequeño pueblo de pescadores cerca de Bangkok, en Siam. De allí deriva la palabra siameses, con la que se define a los hermanos gemelos que nacen con los cuerpos unidos entre sí.

Rodeada de mitos como cualquier historia de fama y supersticiones, la existencia de estos hermanos alimentó entonces los rumores de que el fin del mundo estaba próximo. Se dijo incluso que el rey pensaba matarlos porque eran signo de mal agüero. Nada de eso ocurrió, y tras una niñez en la que compartían con sus hermanos la crianza de patos, fueron descubiertos por un marino americano que se hacía llamar Capitán Able Coffin. El marino, sorprendido por la rareza de los gemelos, y debido a lo popular que estaban empezándose a hacer en aquella época los circos humanos, no dudó en hacerles un contrato, con el que viajarían por primera vez fuera de Siam.

Las exhibiciones comenzaron en Inglaterra, aunque al poco tiempo, la creciente popularidad los hizo desplazarse a EEUU, donde fueron presentados con el eslogan “E pluribus unum” (de muchos uno). Tres años después de su llegada a Norteamérica decidieron deshacerse de los servicios de Coffin, comenzando su carrera en solitario.

En tan sólo 6 años de carrera los gemelos de Siam consiguieron reunir un total de 60.000 dólares (lo que equivaldría actualmente a un millón y medio de dólares actuales), dinero con el que decidieron retirarse al condado de Wilkes, en Carolina del Norte. Fue entonces cuando comenzaron a barajar la posibilidad de su separación, aunque no encontraron médico que se aventurara a hacérselo.

Sin poder llevar a cabo su separación, decidieron tener una vida lo más normal posible. Establecieron una plantación, compraron esclavos, y adoptaron el nombre artístico"Bunker". Fueron respetados miembros de la comunidad.

Ambos se casaron el mismo día y con 2 hermanas (Chang con Adelaide Yates, y Eng con Sarah Anne Yates). Aceptando compartir la intimidad, las familias vivían en casas separadas y ellos se ajustaban a lo que podría llamarse “un régimen de visitas” (decidieron pasar 3 días consecutivos en cada casa). Así fue como entre ambos sumaron 22 hijos.

Como la vida, la muerte les llegó en el mismo momento. A los 63 años, una noche en la que Chang no podía conciliar el sueño, le comentó a su hermano Eng que solía sentir dolores en el pecho. Perfectamente sano, Eng no tardó en dormirse, pero al despertarse y descubrir que su hermano no respiraba, gritó por ayuda. Cuando uno de sus hijos entró a la habitación, le dijo: “¿Cómo está tu tío Chang?”. “Tío Chang está helado. Muerto”, respondió su hijo. “Ha llegado mi última hora”, dijo llorando. A las 2 horas, y antes de que llegara el médico, estaba muerto.

El examen post mortem realizado en el College of Physicians and Surgeons de Filadelfia reveló que Chang murió por la rotura de un aneurisma; y Eng, de miedo.

Adieu.

Ciudad Museística: Germania, la utopía de Hitler

2011-02-08T18:36:00.008-03:00

La historia de la arquitectura está salpicada de proyectos más o menos disparatados que nunca pasaron del papel o de las primeras fases de su construcción.

Si nos atenemos a las fuentes escritas, el primer ejemplo de la civilización occidental es una ciudad que Dinócrates presentó en el siglo III a.C a Alejandro Magno, en dónde una montaña sería tallada con la imagen de éste. Casi podría decirse que es un antecedente remoto de la soberbia y descomunal Germania, una ciudad que, de haberse edificado, nada hubiera tenido que envidiar a la Roma imperial.

Las malas lenguas dicen que cuando Hitler tenía invitados para cenar, le gustaba jactarse de su nueva invención: el proyecto de “Welthauptstadt” (Capital Mundial, en alemán) Germania. El führer, acompañado con una linterna, llevaba a sus comensales por el Jardín de la Cancillería hasta el estudio de Albert Speer (1905-1981), "el primer arquitecto del Tercer Reich".

La maqueta de la futura capital, hoy perdida, ya era en sí misma un delirio de grandeza: tenía 30 metros de longitud y, para que se apreciaran mejor las dimensiones, había soldaditos de juguete desfilando por las avenidas.

Albert Speer

El título “Welthauptstadt" Germania fue elegido porque se consideró que la arquitectura de Berlín era en ese momento demasiado provincial y que era necesario poner a Berlín en un nivel superior a la de otras grandes capitales del mundo como lo eran París, Londres o Washington DC. Así, Germania hubiera tenido los siguientes edificios: el Volkshalle, el Estadio Olímpico de Germania, el Arco del Triunfo de Hitler (superior en altura al Arco del Triunfo de Napoleón en París), el Palacio de la Cancillería, el Aeropuerto de Tempelhof, y el Palacio de Congresos, entre otros (dicen que cuando un arquitecto de Mussolini vio el modelo del palacio donde se alojaría Goering, el subalterno de Hitler, exclamó: “¡Cielos, ahora sí que han perdido el juicio!”).

Sin lugar a dudas, Germanía merece el título de desvarío urbanístico más grande de todos los tiempos. Por ejemplo, la cúpula del Gran Pabellón – su edificio principal- se elevaría a 300 metros de altura y tendría una capacidad para 180.000 personas. Los ingenieros estadounidenses que vieron la maqueta cuando las tropas aliadas entraron en Berlín, estimaron que dentro de ella se podrían haber formado nubes.

¿Una locura?, desde ya que sí. Pero con la firme intención de convertirse en realidad, ya que se demolieron miles de edificios y ya había 25.000 mil prisioneros checos y soviéticos asignados a los trabajos de construcción.

A continuación "La Superciudad de Hitler".

Parte 2
Parte 3
Parte 4
Parte 5

Adieu!.

Leyenda Museística: El fantasma de "Tres hombres y un bebé".

2011-02-03T19:59:00.000-03:00

Luego de un mes de “vacaciones a puro relax, asados y pileta”, comenzamos nuevamente con los posteos. El tema elegido para el día de hoy se trata sobre una de las leyendas modernas más repetidas y famosas de la historia del cine.

Digamos que hay historias que se las escucha desde hace generaciones y generaciones: alguna persona recientemente fallecida (padre, hermano, amigo o novio, entre otros) comienza a aparecer en algún rincón de una foto. Se lo “ve” detrás de algún mueble o heladera, al costado de una biblioteca, sentado en un sillón, en el borde de una cama, o asomando entre una puerta…y, desde ya, el afecto y la nostalgia de los demás hacen el resto… Finalmente, todos terminan jurando y perjurando que el entrañable difunto se especializa en hacerse presente en las fotografías del grupo familiar.

Esto es, en parte, lo que sucedió hace unas décadas con “el fantasma del video”. Porque en todas las copias de “Tres hombres y un bebé” (también conocida como “Tres hombres y un biberón), la película en la que Tom Selleck, Ted Danson y Steve Guttenberg se vuelven locos para criar a un recién nacido, aparece un fantasma ajeno, muy ajeno, al filme.

¿Cómo nació esta insólita leyenda que sembró la polémica en todo el territorio de los EEUU?.

La historia tiene su asidero: el hecho es que parte de la película se filmó en un departamento en el que había muerto, de un disparo, un desdichado niño (otra versión afirma que fue un suicidio). Y el pequeño, empecinado, se las ingenió – según su dolida madre- para volver a estar en el lugar, pero en "versión" fantasma.

En una de las escenas puede verse su figura – al fondo, como buen espíritu- y hasta la escopeta, con la que supuestamente se mató (o lo mataron).

Fue inútil que la compañía Disney, productora de la película, jurara que la misma no se filmó en el departamento mencionado, sino en un estudio cinematográfico de Toronto, Canadá. Los productores afirman, además, que la borrosa figura que efectivamente se ve es sólo una silueta del actor Ted Danson, recortada en cartón, que iba a ser utilizada para publicidad de la película y que quedó olvidada en el set de filmación.Y aunque la extraña historia haya incrementado enormemente la demanda de la película, la gente de Disney insistió: “¡Habríamos buscado otro tipo de publicidad!. No es nuestro estilo”.

Lo más significativo de esta película no es el rédito que produjo, sino la curiosa unión que se fue originando entre folklore y tecnología – afirmaba Bill Ellis, un profesor de inglés estudioso de las Leyendas Contemporáneas-. “Antes, esta clase de leyendas circulaba sólo en grupos muy restringidos, en comunidades casi cerradas. En este caso el grupo de “creyentes” se expandió en proporción electrónica. Y la imagen, además, está allí, dando pie a las más firmes convicciones”.

No es mi intención desilusionar a ningún lector, pero sería interesante que vean la siguiente imagen…

Ahora bien…no pueden negar que hay “cierto” parecido, no?.

Con respecto al tema de la “escopeta” (o sea, el arma con la cual se mató/ mataron al niño), eso también tiene una explicación…

Sí. Es el “cartón” visto desde otra perspectiva en la que la cortina le tapa tres cuartos del cuerpo…

En fin...Si a pesar de estas “pruebas”, ustedes siguen creyendo en que “eso que aparece ahí es un fantasma”, yo no los voy a contradecir. Por qué acaso ¿un fantasma no puede peinarse para la foto?.

Adieu!!!.

Los 10 post más comentados del 2010

2010-12-30T18:22:00.003-03:00

1) Personaje Museístico: El Hombre lobo (24)
2) Costumbre Museística: La propina (24)
3) Personaje Museístico: El dueño de la Luna (20)
4) Curiosidad Museística: La inedia (19)
5) Personaje Museístico: El flautista de Hamelín (15)
6) El Conventillo "Cinema": El gran dictador (15)
7) Costumbre Museística: El baño (14)
8) Personaje Museístico: Las mujeres plato (14)
9) Museo de la Mafía (13)
10) Enigma Museístico: El Necronomicón (13)

Queridos todos: Muchas gracias por acompañarnos un año más. Les deseamos de todo corazón un prospero y maravilloso Año Nuevo.

...Y como siempre...Adieu!!!!

Clásico Museístico: El Concierto de Año Nuevo de Viena

2010-12-27T18:15:00.006-03:00

El Concierto de Año Nuevo de la Orquesta Filarmónica de Viena (en alemán: Das Neujahrskonzert der Wiener Philharmoniker) es un concierto que tiene lugar cada año en la mañana del 1º de enero en Viena, Austria. Es transmitido a lo largo de todo el mundo para una audiencia potencial estimada en 1.000 millones de personas en más de 60 países.

Este concierto tiene lugar en el Wiener Musikverein (“Club de música vienés”), un sitio que recomiendo visitar incluso si no son amantes de la música (la sala de conciertos del Musikverein se sitúa entre las 3 mejores del mundo en lo que respecta a sonoridad, junto con el Symphony Hall de Boston, y el Concertgebouw de Ámsterdam). La Goldener Saal (Sala de oro) tiene 48 metros de longitud, 19 de anchura y 18 de altura. Cuenta con 1.744 asientos y unas 300 plazas de pie, y es allí dónde se celebra el Concierto de Fin de año.

La música es, en su mayoría, de la familia Strauss (Johann Strauss –padre-, Johann Strauss –hijo-, Joseph Strauss y Eduard Strauss). Las flores que decoran la sala son un regalo anual de la ciudad de San Remo, Liguria, Italia.

El concierto siempre termina con varios bises después del programa principal. Los músicos entonces desean colectivamente un feliz Año Nuevo (Wishes), y terminan con el vals de El Danubio Azul de Johann Strauss seguido de la Marcha Radetzky. Durante esta última obra, la audiencia aplaude al compás y el director se vuelve para dirigirla, durante breves instantes. Un quiebre en la tradición en tiempos recientes fue durante la edición de 2005, dirigida por Lorin Maazel, cuando el programa terminó con el vals del Danubio Azul como una señal de respeto por las víctimas del Terremoto del Océano Índico de 2004.

No deja de ser curioso el origen cuasi-político o claramente reivindicativo de este evento. El primer concierto se celebró por primera vez el 1 de enero de 1941, (estando en el poder Adolf Hitler) y fue dirigido por Clemens Krauss. El repertorio estaba integrado exclusivamente por temas de Johann Strauss jr, temas entre los que no estaban, por cierto, ni el Danubio Azul ni la Marcha Radetzky, que no se convirtieron en interpretaciones fijas hasta el año 1958. El concierto pretendía reivindicar la cultura y la música austríaca frente al Anachluss (el Anschluss -palabra alemana que significa "anexión"- fue la inclusión en 1938 de Austria dentro de la Alemania nazi como una provincia del III Reich, pasando de Osterreich a Ostmark). Desde entonces, cada primero de enero se celebra anualmente este auténtico festival de música austríaca (cabe destacar que este concierto solamente sufrió una suspensión que fue en 1945 debido al deterioro de su estructura por los ataques aéreos de las fuerzas aliadas).

Desde 1955 hasta 1978 la Filarmónica de Viena estuvo constantemente dirigida por Willi Boskovsky hasta su jubilación, siendo reemplazado por Lorin Maazel. No obstante el concierto de año nuevo de 1987 tuvo una novedad que se ha institucionalizado desde entonces: a partir de esa fecha, la persona que dirigiría la Filarmónica de Viena en el tradicional concierto de año nuevo sería escogida por los propios integrantes de la orquesta por votación. El primer elegido fue un ilustre hijo de Austria, oriundo de la ciudad de Salzburgo, pero ya anciano y enfermo: Herbert von Karajan.

Durante varios años el concierto ha sido retransmitido para EEUU por PBS, y recién en el año 2006 a una serie de países africanos (Botswana, Lesotho, Malawi, Mozambique, Namibia, Zambia y Zimbabwe) y latinoamericanos (Ecuador, Bolivia, Chile, México y Uruguay).

El precio de las entradas oscila desde los 30€ (con escasa visibilidad) a los 940€ para el Concierto de Año Nuevo; En el caso del Concierto de Nochevieja, los precios son algo más baratos: van desde los 25€ a los 720 euros como máximo. En cuanto al Ensayo General del día 30 de diciembre, los precios varían desde los 130 euros a los 380€ de los asientos más caros.

Como el aforo de la Filarmónica de Viena es limitado se realiza un sorteo entre todas las solicitudes de entradas recibidas en su página web. Las peticiones recibidas entre los días 2 a 23 de enero, ambos inclusive, serán tenidas en cuenta para el sorteo que se llevará a cabo para el concierto de la siguiente temporada.

El sorteo de las entradas se realiza hacia finales de marzo de ese año. A todos aquellos que han participado y no han conseguido sus preciadas entradas se les envía un correo electrónico comunicándoles que no han sido afortunados. Los ganadores del concurso reciben por correo postal la buena nueva, además de información necesaria para tramitar la compra definitiva de las entradas.

Para el 2011, la orquesta Filarmónica de Viena tendrá de Director al maestro austríaco Franz Welser-Mösto. El maestro de 49 años será el sexto austriaco que ocupe el atril de la Sala Dorada del Musikverein en el concierto de Año Nuevo y sucederá al francés Georges Prêtre.

Franz Welser-Mösto

Adieu!.

Costumbre Museística: El árbol de navidad

2010-12-20T12:21:00.000-03:00

Es costumbre que el 8 de diciembre (día de la Inmaculada Concepción de la Virgen María) armemos el árbol de Navidad, normalmente un pino o un abeto, y lo llenemos de bolas multicolores, moños de seda y luces eléctricas.

¿Les gusta?, es nuestro árbolito navideño!.

Algunos creen que esta tradición es celta (ahhh, la cultura del celtismo…ese inmenso baúl dónde ponemos todo lo que nos suene a gaita, violín, flautín o silbato) pero esto es diametralmente incorrecto. El árbol de navidad proviene de la tradición germánica-escandinava, del culto al dios Frey.

En tiempos pretéritos el culto pagano germano celebraba el nacimiento del dios Frey en una fecha cercana a la Navidad adornando un árbol perenne, llamado Yggdrassil o Árbol del Universo. Este árbol representaba en su copa, tronco y raíces diversos lugares sagrados de la mitología nórdica, como Asgard (casa de los dioses), Valhalla (palacio de Odín) o Helheim (reino de los muertos).

Con la llegada de los primeros cristianos a las tierras de los germanos en Europa Central y del Norte este culto se adaptó al cristianismo (es bien conocido que esta corriente religiosa ha sido muy hábil en absorber cultos paganos para poder así, pacíficamente, convertir otros pueblos a su religión manteniendo sus costumbres ancestrales).

árbolito geek

Según cuenta una leyenda, san Bonifacio (680-754), evangelizando tierras de Germania, taló un árbol que representaba el Ygdrassil para convencer a los druidas alemanes de que no era ni sagrado ni inviolable. El árbol al caer destrozó todos los arbustos excepto un pequeño abeto. San Bonifacio, interpretó la supervivencia del arbolito como un milagro: "Llamémosle el árbol del Niño Dios", dijo. Los años siguientes los cristianos celebraron las Navidades plantando abetos.
Sin embargo, hoy no usamos el árbol navideño gracias a san Bonifacio, sino a Martín Lutero, que fue quien lo “resucitó” como tradición.

Así, Lutero reintrodujo el árbol de Navidad en el siglo XV, y en el siglo XVI estaba bastante extendido por todos los estados alemanes y gran parte de la Europa Central eslava (lo que no se sabe con seguridad es que si Lutero realmente conocía, o no, el culto anterior de los paganos. Al fin y al cabo, si algo abundaba por esas tierras eran los abetos, así que no era difícil que a alguien se le ocurriera adornar uno).

A mediados del siglo XIX el árbol de Navidad saltó a Inglaterra mediante el matrimonio del príncipe Alberto (alemán) con la reina Victoria en 1846. Alberto decidió adornar un gran abeto en el castillo de Windsor, y a los ingleses les encantó el resultado. Tal fue su aceptación entre las clases obreras y clases medias, que un par de décadas después el árbol de Navidad cruzaba el Atlántico para arraigar con fuerza en las navidades de los EE.UU.

En países como Polonia, por ejemplo, existe una gran tradición de coleccionar bolas de vidrio pintadas a mano, que pasan de generación a generación, y son, realmente, auténticas obras de arte.

En fin. Si crees que tu árbol de navidad es el más hermoso y original, podes enviar su foto al “VI Concurso Mundial de Árboles de Navidad 2010” (hasta el momento ya están concursando 564 árbolitos).

Queridos amigos – lectores: Aprovechamos la ocasión para desearles, tanto Mariano como yo, una encantadora Nochebuena y una hermosa Navidad.

Muchas gracias por los saludos, los queremos mucho!.

Para seguir leyendo: Personaje Museístico: Papá Noel

Adieu!!!.

Cinco noticias museísticas del 2010

2010-12-15T09:45:00.004-03:00

Dinamarca: "Asientos del amor" en los colectivos

"Nunca se sabe lo que puede pasar, un flechazo puede llegar incluso en el autobús", argumentó la compañía de transporte británica “Arriva” al instalar en 103 de sus colectivos en Copenhague “asientos reservados a los viajeros en busca de conversación y algo más”.

La empresa buscó “atraer al autobús a la mayor cantidad de pasajeros posible, para que quien viaja solo deje su automóvil en un estacionamiento, incentivado por la posibilidad de hallar la felicidad”, asegurando que parte de esta propuesta tiene un fin netamente ambiental.

Los asientos están tapizados de rojo (el color del amor y la pasión) y poseen un letrero que dice "Kaerlighedssaede" (asientos del amor).

India: Monos reclutados como vigilantes

Para los Juegos de la Commonwealth, celebrados en Nueva Delhi, la municipalidad reclutó un grupo de vigilantes muy especiales: grandes monos agresivos encargados de ahuyentar a los primates más pequeños que pululan en India.

El culto de Hanuman, dios-mono que simboliza la fuerza, prohíbe matar a los monos, razón por la cual la alcaldía recurrió a 10 monos langur, de cola larga y cara negra, traídos especialmente del estado vecino de Rajastán.

Gran Bretaña: Teléfonos portátiles bendecidos por un cura de la City

Unos 80 traders de la City de Londres hicieron bendecir sus teléfonos portátiles y MacBooks por el reverendo Canon Daid Parrot en una ceremonia organizada en la iglesia St. Lawrence Jewry del barrio financiero de Londres. La ceremonia se inspiró en una antigua tradición cristiana de bendecir el útil de trabajo el primer lunes después de Navidad.

China: Después del hijo único el perro único

La ciudad de Shanghai se prepara para votar una ley por la cual estará prohibido tener más de un perro por hogar para tratar de frenar la demografía galopante de la población canina en la gran metrópolis china.

Con el auge de la clase media, el mejor amigo del hombre se ha convertido en el rey de Shanghai, que cuenta con 800.000 perros, de los cuales sólo el 25% está registrado. Sin embargo, muchos dudan que esta ley, que recuerda la del hijo único que tanto marcara a China, logre su objetivo.

Italia: 280.000 euros por un féretro en oro con teléfono

Un féretro de oro con un teléfono portátil integrado fue uno de los artículos estrella del 8º Salón del Lujo de Verona, Italia.

Entre los argumentos de venta se destaca que el teléfono portátil es para enviar mensajes de texto en el caso de que la persona haya sido enterrada por error o haya concretado un milagro...

Adieu!

Personaje Museístico: Roy Sullivan, el hombre Pararrayos

2010-12-13T11:36:00.000-03:00

Diariamente se desatan en el mundo unas 44 mil tormentas que producen una media de 8 millones de rayos. Según la revista National Geographic, las probabilidades de que 1 de estos rayos caiga sobre nuestra mollera es, aproximadamente, de 1/60000 (más o menos la misma probabilidad de ganar el Loto jugando todos los días). Sin embargo, anualmente se registra la muerte de unas 1000 personas calcinadas por ellos.

Continuemos. Si de por si es difícil que nos caiga encima un rayo, entonces las probabilidades de que nos pase en 2 ocasiones es prácticamente nula y así continuamos de forma exponencial hasta calcular la probabilidad de que un rayo caiga sobre nosotros en nada más y nada menos que 7 ocasiones. En este caso, la probabilidad es de 1 entre 320 septillones o lo que es lo mismo, un 320 seguido de 24 ceros.

Lamentablemente esto es lo que le sucedió a Roy Sullivan, que figura en el libro Guinness de los récords por ser la persona que más veces ha recibido el impacto de un rayo y que, curiosamente, no murió por esta causa. En realidad, y para ser más precisa, su encuentro cercano con rayos aumenta hasta en 9 ocasiones, pero en 2 de ellas no fue él quien lo recibió, sino la persona que se encontraba a su lado. A continuación la historia.

Roy Sullivan nació en 1912 en un pequeño pueblo de Virginia. Ya de pequeño tuvo su primera experiencia con los rayos puesto que mientras se encontraba en el campo trabajando con su padre, éste recibió un rayo que impactó en el machete que usaba para segar el trigo. En esta ocasión no les sucedió nada grave a ninguno de los 2.

En 1942, Sullivan trabajaba como Guardabosques en el Parque Nacional de Shenandoah, en Virginia. Estando en la torre de vigilancia se desencadenó una tormenta eléctrica y Roy recibió un rayo que entró por su pierna y salió por el dedo gordo de su pie.
Tras 2 décadas de descanso, en 1969 mientras conducía su camioneta descapotable le cayó otro rayo que, aparte de quemar sus cejas, le hizo perder el conocimiento y accidentarse, aunque no fue demasiado grave la cosa. A partir de aquí, la seguidilla de rayos en su cuerpo fue digna de Ripley.

Un año después, en 1970, cuando se encontraba en la puerta de su casa, se vio nuevamente alcanzado por otro rayo que le provocó quemaduras en un hombro.
En 1972, estando Roy trabajando en la oficina de los Guardabosques, un rayó entró por una de las ventanas y le chamuscó literalmente toda su cabellera.
Cuando aún el pelo no le había crecido del todo, en 1973 otro rayo lo alcanzó mientras manejaba y volvió a quemarle toda la cabellera. En esta ocasión Roy iba preparado y pudo apagar el fuego con el agua de una cantimplora que, ya acostumbrado, llevaba por si las moscas…

Ya cosa de no creer la mala suerte de este buen hombre, en 1974 otro rayo le cayó encima cuando se encontraba paseando por el campo junto a su esposa. En este caso, el rayo impactó en uno de sus tobillos.
Finalmente, en 1977, mientras se encontraba pescando en un lago, otro rayo impactó sobre él pero en este sí que tuvo que ser hospitalizado con graves quemaduras en el pecho, estómago y piernas.

A raíz de todo lo sucedido, Roy Sullivan cayó en una terrible depresión. En el lugar donde vivía se lo conocía como “El hombre pararrayos” y, como es lógico, nadie quería estar demasiado cerca de él. La gota que colmó el vaso fue un último rayo que impactó en el tendedero mientras su esposa colgaba la ropa, razón por la cual hasta su señora acabó separándose de él, y Roy, ya desesperado y desolado, terminó suicidándose, en 1983, con su arma reglamentaria.

Actualmente todavía se desconoce el motivo del porqué algunas personas como Roy Sullivan atraen de este modo a los rayos.

Otro caso más reciente de hombre pararrayos es el de Jorge Marquez, que por el momento lleva 5 impactos, pero todo indica que seguirá sumando…

Adieu!.

Técnica Museística: El arte del latte (o arte del café con leche)

2010-12-09T14:44:00.007-03:00

Sin lugar a duda, las cafeterías son uno de los lugares que más se frecuentan. El café juega un papel muy importante en cada cultura y en la vida cotidiana, y por tal motivo no puede dejarse en manos de personas que no tengan conocimientos sobre el tema. Así, el oficio de barista se debe considerar como algo más que un simple trabajo: es una verdadera profesión que debe combinar conocimiento y técnica con un servicio sofisticado, mucha personalidad y, por supuesto, un estilo único.

Hay una definición del barista que ya ha hecho carrera: "Sólo aquel que es capaz de capturar en 25 segundos toda la historia y la esencia de 50 granos de café que equivalen a 7 gramos".

El Barista se especializa en el café de alta calidad creando nuevas y diferentes bebidas (basándose siempre en el café, claro está), usando para ello varios tipos de leche, esencias y licores, entre otros. También es el responsable de la presentación de las bebidas y para ello es especialista en el arte del latte.

Se conoce como arte del latte o arte del café con leche a los diseños creados en la superficie de cafés expresos a la vista del cliente. Hay 2 formas de crear estos diseños, y generalmente se utiliza uno de los métodos, e incluso a veces una combinación de ambos.

El primer método consiste en ir manipulando el flujo de leche desde un jarro (conocido como “latte art vertido libre”). El segundo consiste en dibujar diseños con un instrumento (conocido como “etching”), con plantillas, polvos y espuma de la leche.

El invento es italiano. El Picasso de esta tendencia es Luigi Lupi, que llegó a Galicia en el año 2008 de la mano de Augusto Morales, presidente de la Asociación de Baristas de Galicia. Actualmente los expertos de esta técnica la han introducido en miles de cafeterías, convirtiéndola en muchas ciudades en todo un furor. “Empezó como moda, pero ya es una cultura”, sostiene el artista cafetero.

En fin, si usted quiere hacer arte en su cafe con leche, recuerde lo siguiente:“Moita práctica e moito leite tirado. A clave, o pulso”.

Espero que disfruten el video.

Adieu!!!.

El Conventillo "Varieté": Un japonés encuentra a una intrusa viviendo en su armario

2010-12-06T11:35:00.001-03:00

Un japonés, soltero y de 57 años, se llevó la sorpresa de su vida al percatarse de que tenía una mujer viviendo dentro del armario de su casa desde hacía aproximadamente unos 12 meses. A continuación la historia…

El hombre, residente en Fukuoka, en el oeste de Japón, comenzó a notar que en su casa sucedían cosas extrañas cuando la comida empezó a desaparecer de la heladera.
Intrigado, instaló una cámara de seguridad para descubrir quién le robaba alimentos de la cocina y se duchaba en el cuarto de baño. Al descubrir en los videos a una mujer que en su ausencia se paseaba tranquilamente por las habitaciones, y comía todo lo que se le antojaba, llamó alarmado a la policía.

Los agentes registraron íntegramente el domicilio pero no encontraron señales de que se hubiera forzado la puerta o alguna ventana. Finalmente descubrieron a la mujer, Tatsuko Horikawa de 58 años, que vivía escondida en la parte superior del armario con puerta corrediza, un lugar lo suficientemente grande para albergar a una persona acostada sobre una colchoneta. Tatsuko, que fue detenida, explicó a la policía que no tenía dónde vivir y que llevaba instalada en la casa casi un año, aunque con interrupciones.

El dueño del domicilio sostuvo que durante ese tiempo no le causó mayores problemas, ya que se trataba de una mujer muy limpia y ordenada.

Este hecho insólito, que ocurrió en el año 2008, nos trae a la memoria la película “Hierro3”, un filme sur coreana del año 2004 dirigida por Kim Ki-duk, en donde el protagonista, un indigente llamado Tae-Suk que no dice una sola palabra a lo largo de los 95 minutos de la película, ocupa temporalmente viviendas cuyos habitantes sabe que están ausentes.
En realidad, Tae – Suk es una especie de fantasma que duerme en camas ajenas, come algo de las heladeras de esos extraños y retribuye su forzada hospitalidad haciendo arreglos domésticos.

Sin lugar a dudas, una maravillosa película que, entre otras cosas, nos obliga a plantearnos, por más absurdo que parezca, hasta qué punto son parte indispensable de nuestra identidad como seres humanos aspectos como la posesión de bienes materiales, tener un lugar donde vivir y desarrollar nuestra “existencia” o la seguridad de una vida “normal”, todas cosas de las que carece nuestro solitario y fantasmal protagonista.

Adieu!!!.

Costumbre Museística: La pelea de gallos

2010-12-01T11:39:00.005-03:00

Algunos sostienen que la riña de gallos es una práctica deportiva que se transmite de generación en generación, un ritual milenario de aves que son agresivas por naturaleza; otros, en cambio, dicen que es un acto sádico, en el que se pone en riesgo la vida de estos animales.

A pesar de que en muchos países están prohibidas por distintas leyes, igualmente se practican con el amparo de otras normativas regionales. A continuación la historia de una actividad plagada de partidarios, como así también de detractores.

El gallo ha estado presente en casi toda la historia de la Humanidad, ya sea como en Irán que espanta todos los males, como en el Código de Manú que es sagrado, como musa inspiradora de artistas, objeto de colección en distintos museos, en millones de monedas, escudos, banderas y cuadros, así como también en el cristianismo entre San Pedro y Jesús.

La palabra gallo proviene del latín gallus. Miles de años antes de nuestra era ya se realizaba la crianza y reproducción de los gallos de pelea. Sin embargo en tiempos pasados tuvieron orígenes en 2 raíces principales que son el Gallus Bankiva y el Gallus Sonerati, ambos de Asia Menor, llamado este último en la India Katukoli.

Fueron generales griegos como Temístocles, quien antes de la batalla de "Salamina", presencio un combate de peleas de gallos en una plaza de Atenas y, aludiendo al valor de sus ciudadanos, preguntó si estaban dispuestos a defender la libertad de la patria, así como morían las aves por el placer de vencer (los griegos no solo expandieron la pasión por los gallos en todos sus dominios, sino también obligaron a sus ciudadanos jóvenes a ver por lo menos una pelea de gallos al año, para aprender de las aves su moral de combate).

En la Antigua Roma los gallos también fueron utilizados para adquirir, entre otras cosas, valentía. La "Biografía de Cleopatra" de Oscar Von Wertheimer, narra que 1 de los pasatiempos de la "bella" y el romano Marco Antonio, eran las peleas de gallos y codornices (paradójicamente, fue Julio Cesar quién introdujo en Roma, y luego en Inglaterra, las peleas de gallos). En esos años la vida transcurría entre la pasión, el amor, la guerra y las peleas de gallos.

Posteriormente, esta práctica fue llevada a América por los conquistadores españoles (cuando los conquistadores desembarcaron en América, muchos de ellos trajeron sus gallos de combate debajo del brazo. Se dice que cuando Hernán Cortes llegó a México, entre las primeras cosas que hizo fue construir su gallinero para criar aves de peleas. No en vano México es la cuna de las riñas de gallos).

Según escritos históricos de la colonia, lo mismo hicieron los jefes de los virreinatos de Perú, donde Doña Inés de Suarez, apasionada de las aves, se dedicó a criar gallos de pelea. Doña Inés, posteriormente compañera de vida de Don Pedro de Valdivia, fundador de Santiago de Chile, siguió promoviendo las peleas de gallos, donde, actualmente, todavía se practican.

Jaulas en donde encierran a los gallos antes del combate

En los Estados Unidos, famosos presidentes eran amantes del juego; George Washington, Thomas Jefferson, Andrew Jackson, y Abraham Lincoln. Hubo un momento en que la Casa Blanca se convirtió en centro para la celebración de peleas de gallos. Incluso fueron sostenidas en los cuartos del comité presidencial.

Las peleas de gallos son legales en la mayoría de países latinoamericanos, así como en Islas Canarias y Andalucía (en el resto de España están prohibidas), y en países de Asia como Filipinas. En muchos otros lugares, las peleas de animales están estrictamente fuera de la ley, basadas en la oposición a las apuestas, la crueldad animal, o ambas.

En Argentina, a pesar de estar prohibidas por una ley nacional que rige desde el año 1954, las peleas de gallos están amparadas por normativas locales que las permiten, tal es el caso de provincias como Tucumán, San Luis y Santiago del Estero. En el país hay cerca de 100 mil “galleros” que se enfrentan con las organizaciones protectoras de animales, que consideran a las riñas como un acto de crueldad.

Germán Valdéz, un gallero de tradición que vive en Tucumán, contó que en su provincia la temporada comienza el 1 de mayo y termina en febrero del año próximo y que se realizan todos los fines de semana y los días feriados. “En Tucumán participan todas las personas aficionadas a este hobby, vienen de otras provincias, y a veces de países vecinos”. Valdéz además dice que es mentira que los animales se mueren en combate y que a los gallos los drogan. “Eso sí -se encargó de aclarar- existe como en todo la excepción a la regla, quienes hacen grandes negocios, pero no son la mayoría”.

Las apuestas empiezan con una base de 80 o 100 pesos, y pueden llegar a los 2.000 o 3.000. Para Valdéz, la riña de gallos al ser algo tradicional como las carreras de caballos, se tendría que autorizar en todo el país. “Los gallos de combate reciben una buena alimentación, se los ayuda con complejos vitamínicos autorizados por algún veterinario, se los entrena con algunos trabajos como la preparación que recibe un atleta, todo esto, para que no se extingan”.

Por otra parte, los miembros de FABA (Fundación Argentina para el Bienestar del Animal) sostienen que es insostenible que un espectáculo de semejante crueldad que se realizaba en el siglo XVIII continúe produciendo miles de muertes de animales por el solo placer de ciertas personas”.

En fin. Con respecto a la pelea de gallos no hay términos medios. O se está a favor: “Si en México se prohíben las peleas de gallos nos vamos a una revolución”, o se está en contra: “No a las peleas de gallos”.

Particularmente no apruebo ningún acto de maltrato animal.

Adieu!.

Petites Curiosités

2010-11-30T00:08:00.007-03:00

Los nombres más extraños del mundo están en Chone, una ciudad de Ecuador. Algunos de ellos son: Burger King Herrera, Cabalgata Deportiva Vera, Perfecta Circuncisión Hidalgo, Vick Vaporup Giler, Conflicto Internacional Loor, Cien Pies Pinares, Año Bisiesto Owen y Puro Aguardiente Zambrano.

En su juventud, el compositor italiano Giuseppe Verdi fue desaprobado en el examen de ingreso al Conservatorio de Milán por tener una mala posición de manos al tocar el piano.

En el Mundial de Fútbol de 1950, la selección de la India se hallaba clasificada para disputar la fase final, pero no pudo participar porque la FIFA no aceptó la petición del equipo indio de jugar todos descalzos.

En 1540, en España un juez acusó a una polilla y la llevó a juicio por haber destruido un tapiz muy costoso. El veredicto la declaró culpable y se la condenó a muerte.

El 5 de diciembre de 1664 naufragó un navío en el Estrecho de Menai, cerca de Gales. Sólo 1 de los 81 pasajeros que iban a bordo logró sobrevivir; su nombre era Hugh Williams.
Otro 5 de diciembre, pero de 1785, un barco con 60 pasajeros se hundió en ese mismo lugar. Y nuevamente hubo un solo sobreviviente: un hombre llamado Hugh Williams.
El 5 de agosto de 1820, en esas mismas aguas se cayeron 25 pasajeros de un velero, y sólo 1 sobrevivió, se llamaba…Hugh Williams.

Adieu!.

Historia Museística: La fiebre de los tulipanes

2010-11-29T11:48:00.001-03:00

Parece mentira que una flor que habitualmente vemos en las calles, plazas y jardines de las ciudades fuera el detonante de una debacle económica como la que ocurrió en el siglo XVII en Holanda y que acabó con las esperanzas de muchos ciudadanos que habían invertido sus ahorros, se habían endeudado hasta la médula e incluso hipotecado sus pertenencias con tal de comprar bulbos de tulipán.

El origen de la palabra tulipán no está del todo claro, aunque se cree que deriva de la palabra persa durban-turbante-. La asociación de esta bulbosa con el país europeo proviene del siglo XVII y su historia se remonta a la llegada de los bulbos desde Turquía a fines del siglo XVI.

Hacia el año 1562, el diplomático belga Ogier Ghiselin De Busbecq llevó a Europa los primeros bulbos de tulipán, tras vivir en Turquía en la corte del sultán Soliman el Magnífico. De Busbecq quedó sorprendido y maravillado con la flor y años más tarde, en1593, envió distintos bulbos de tulipán al botánico Carolus Clasius, del Jardín Botánico de Leiden, Holanda. Allí se comenzó a cultivar el bulbo, con tal éxito, que pronto se empezaron a buscar variedades distintas. Por su clima y por la existencia del mercado financiero más complejo del mundo, Holanda era el país ideal para cultivarlos.

En el año 1634, la fiebre por tener tulipanes, la célebre tulipomanía, se propagó tanto entre los holandeses que éstos comenzaron a descuidar su actividad económica normal. Contrariamente a lo que la gente piensa, la fiebre de los tulipanes no tenía nada que ver con las flores, sino con los bulbos que las producían. El precio de los tulipanes comenzó a subir. Para hacernos una idea, basta sólo un dato: por una variedad, la Viceroy, se pagó el equivalente actual a unos 1000 dólares.

Personas de todos los estratos sociales se endeudaban, vendían sus casas y se hipotecaban con tal de obtener dinero en metálico y poder comprar bulbos de tulipanes. El furor que se desató en Holanda con la tulipomanía desembocó en uno de los colapsos financieros más importantes de la historia económica mundial. De la noche a la mañana, los pequeños inversores se convirtieron en millonarios. La fiebre se extendió a otros países y la inversión extranjera llegó al mercado holandés. Los corredores de la Bolsa de Amsterdam se dedicaban exclusivamente a las operaciones de tulipanes y se compraban por adelantado los bulbos que ni siquiera habían crecido. La actividad era tan potente que se nombraron notarios y abogados que sólo se ocupaban de este negocio. El mercado se había vuelto completamente loco.

Pero como suele pasar, tras la tempestad llegó la calma. Los precios más elevados se alcanzaron en febrero de 1637. Estos eran tan altos que los principales productores comenzaron a preocuparse y recomendaron a sus clientes que vendieran o dejaran de comprar. La burbuja estalló y sobrevino el cataclismo. Miles y miles de personas quedaron completamente arruinadas y sólo podían consolarse observando el bello paisaje multicolor que florecía en sus jardines.

Actualmente las cosas han cambiado y se pueden adquirir bulbos por unos 5-7 centavos de dólar. El tulipán es el símbolo de Holanda, país al que está asociada esta hermosa flor y otras plantas bulbosas. Tan sólo en los Países Bajos se cultivan más de 8.000 mil hectáreas, que representan el 65 por ciento de la producción mundial. Además, esta flor es la tercera más vendida en todo el planeta por detrás de la rosa y el crisantemo.

Existen 150 especies naturales de tulipanes. Sin embargo, a esta centena y media hay que sumarle la gran cantidad de híbridos que los floricultores han estado obteniendo desde el siglo XVI. Así, y hasta ahora, se han registrado unas 3000 variedades, según la oficina del Centro Internacional de Bulbos en Flor, en Holanda.

Hay tulipanes rosas, amarillos, rojos, violetas, anaranjados, blancos…el colorido es una de las razones por las que son flores tan apreciadas por los jardineros. El tulipán negro, también llamado Reina de la Noche, es uno de los más famosos.

Cuando se halla una nueva variedad, ya sea por hibridación o mutación, el descubridor tiene el honor de ponerle un nombre, aunque este deberá estar sometido a determinadas normas internacionales, establecidas en 1952. A veces se otorgan nombres que juegan un papel económico importante, como Coca-Cola, o están bautizados como ciudades: Barcelona, London, Oxford. También existen variedades registradas con apellidos de famosos compositores, como Chopin o Berlioz.

En Holanda es tan importante el negocio de los bulbos que su subasta ocupa una posición preferencial en la industria. Antes se subastaban cuando aún estaban en el campo, sin crecer, y todavía hoy se venden por adelantado, o sea, cuando están en la tierra y aún cuando nadie pueda predecir cómo va a ser la cosecha.

La región holandesa más famosa por sus tulipanes se encuentra entre Haarlem y Leiden, en pueblos como Lisse, Hillegom, Noordwijkerhout, Noordwijk y Vogelenzang. En primavera allí se pueden ver todos los colores del arco iris. Otra región hermosa (aunque más pequeña), es la del Beemster, al norte de Amsterdam. Y al norte de Alkmaar también hay muchos campos de tulipanes

Demás está decir que Holanda también cuenta con el Museo de los Tulipanes de Amsterdam (Amsterdam Tulip Museum) y está ubicado en el barrio de Jordan, junto al canal de Prisengracht y a pocos metros del famoso Museo Casa de Ana Frank y de la Iglesia WesterKerk, en pleno centro de la capital holandesa...

En fin. Sí pueden visitar Holanda, visíten los campos y compren cuadros con flores (los realizan los artístas y utilizan alrededor de 10 mil pétalos para cada metro cuadrado).

Adieu!.

Minipost: La pistola de James Bond derrotó en subasta al traje original de Darth Vader

2010-11-26T15:41:00.003-03:00

Una pistola utilizada en una imagen publicitaria para la película de James Bond “Desde Rusia con amor” (From Russia with Love) se vendió por 277.250 libras (327.500 euros) en una subasta en Londres -aproximadamente 15 veces su valor estimado antes del remate- y ha batido así a lo que se creía el objeto “estrella” de la jornada: un traje original de Darth Vader que finalmente quedó sin comprador.

El arma, que formaba parte de la subasta titulada "Cultura Popular: Cine y Entretenimiento", en la casa Christie's, es una pistola de aire comprimido que el actor escocés Sean Connery tiene en su mano en la fotografía principal utilizada en un cartel y en la campaña publicitaria del filme de 1963.

Con respecto al gran perdedor de la noche, el traje de Darth Vader, se sabe que fue realizado para la película “El Imperio Contraataca”, el segundo filme de la saga “La Guerra de las Galaxias”, de George Lucas, que se estrenó en 1980.

La subasta también incluyó carteles de clásicos del cine como "Lo que el viento se llevó", "Los caballeros las prefieren rubias", "2001: Una odisea del espacio" y una colección de fotografías de Marilyn Monroe en el set de rodaje de su última película antes de morir "Vidas rebeldes", también el conjunto de Supergirl, los diminutos calzoncillos rojos de Superman, la chaqueta color morado de Dick Tracy, y 1 de los uniformes de los personajes de Star Trek.

Museo del inodoro

2010-11-25T14:31:00.003-03:00

Para muchos, es uno de los inventos más solemnes del mundo. Para otros, es el objeto más imprescindible creado por el hombre, muy por encima del auto, la televisión o la computadora. Sin embargo, no suele aparecer en la lista de los inventos más importantes (tal vez porque está asociado a una acción que preferimos mantener al margen de las conversaciones, o incluso hacer como si no existiera). Lo que sí es seguro es que se trata de una de las primeras invenciones de la historia y que su formato rudimentario (un asiento con orificio, cisterna y desagüe) no ha cambiado mucho desde los sumerios hasta la actualidad.

En fin, símbolo de higiene y progreso, a continuación la historia del inodoro.

Puede decirse que la evolución de la higiene ha sido paralela al desarrollo de la civilización y que cuanto más avanzada es una sociedad, más limpia es. Mientras el hombre fue nómade, el campo abierto era el lugar adonde podía recurrir en cualquier momento. En cuanto se volvió sedentario y construyó complejas civilizaciones, tuvo que proyectar un sistema más apropiado.

Para los griegos, la limpieza y la higiene eran preocupaciones importantes y reflejaban su nivel de vida y civilización.
Los romanos del siglo II a.C. empezaron a instalar una red de canalización que cruzaba toda la ciudad de Roma. A ella se conectaban las mansiones de los patricios romanos, y el agua de los acueductos arrastraba fuera de la ciudad prácticamente todos los excrementos.

Pero lo que hoy nos puede sorprender es el hecho de que para los antiguos romanos la acción de evacuar no era un hecho tan vergonzoso, puesto que lo convirtieron en un acto social. Los evacuatorios fueron enormes recintos que se fueron transformando en lugar de encuentro de la alta sociedad romana. Hombres y mujeres se reunían sentados en asientos cómodos y decorados lujosamente que invitaban al relajo y a la tertulia. Los reunidos conversaban de los últimos acontecimientos ciudadanos mientras corría bajo ellos el agua que arrastraba todo lo que, a su entender, “pertenecía a los dioses” (mejor dicho, a la diosa Venus Cloacina, patrona de las cloacas, canales de desagüe y letrinas).

La historia nos has dejado un testimonio de cómo el emperador Vespasiano fue especialmente sensible a este tema. Su talento como hombre de negocios –como así también de estadista- lo llevó a comercializar la orina y venderla a las lavanderías como materia prima de productos de limpieza. Hoy no podemos imaginar –a no ser por los elementos amoniacales de la orina- como la podrían emplear a modo de detergente o quitamanchas. Bien fuera broma de maliciosos o verdad histórica, lo cierto es que se dice que el hijo de Vespasiano recriminó este comercio a su augusto padre, y éste le contestó con el célebre “non olet” –no huele- “pecunia non olet” –el dinero nunca huele mal- , una frase que muchos han seguido al pie de la letra hasta nuestros días.

inodoro capitalista

En la Edad Media hubo un retroceso respecto a la higiene lograda en la Antigüedad. Salvo los aristócratas y los burgueses adinerados nadie podía permitirse el lujo de tener en sus casas recintos especialmente dedicados a su aseo más intimo. Durante siglos, los orinales se volcaban a la calle, a veces sin previo aviso y otras al grito de “aaaagua va”. De hecho, hace sólo 200 años que las cloacas, los canales de alcantarillado y el agua corriente llegan a los domicilios particulares.

En la Edad Moderna las aguas vuelven a su cauce. Leonardo Da Vinci es padre de una invención que se puede considerar, hasta cierto punto, reinvención de los sistemas antiguos: la canalización hasta el río más próximo. Pero el pueblo seguía vertiendo sus orinales en la calle. La ciudad de Edimburgo aconsejaba a sus vecinos que en sus paseos nocturnos los acompañase un emisario voceador. Este los salvaba de que les lloviera agua desde el cielo.

No es extraño que el Renacimiento, época de tanta creatividad, estuviera a punto de resolver el problema de los inodoros de forma definitiva. A fines del XVI el poeta John Harrington (ahijado de la reina Isabel I), ideó un dispositivo que libraba agua quitando un tapón. El invento no resultó práctico porque los fabricantes no lograban hacer tapones de larga duración, y a la hora de la verdad el agua corría continuamente y los expertos temieron que aquello llevaría el país a la sequía. Por tal motivo, quien hallara la solución sería el verdadero inventor del inodoro moderno. Dicho y hecho, en el año 1884 Thomas Crapper dio en la tecla pues inventó el “flotante”, un dispositivo que cierra automáticamente el flujo de agua una vez que el tanque está lleno. Versiones de la válvula flotante de Crapper todavía hoy están en uso.

Un dato curioso: en EEUU “crapper” significa baño o retrete (por tal motivo, decir “I´m going to the crapper” significaría, literalmente, “voy al cagadero”). Ahora bien, la incógnita sería si “crap” (excremento) deriva del nombre de Thomas Crapper. Según se dice, la palabra pudo ser llevada por las tropas norteamericanas que sirvieron en Inglaterra durante la Primera Guerra Mundial. Allí habrían visto los artefactos Crapper y acuñaron el argot, que significó, por quellos tiempos, un sinónimo de baño.

En fin, ya pasaron los tiempos gloriosos del inodoro, cuando en la corte de Luis XIV el rey recibía sentado en su “trono” –sí, en ese trono- a la plebe.

Hoy es un objeto de diseño, de alta tecnología o incluso artístico, que aparece en los escenarios teatrales y en el cine. En la película “El fantasma de la libertad”, de Luis Buñuel, los miembros de una familia se sentaban alrededor de la mesa, cada uno en su inodoro, y compartían con toda naturalidad ese momento tan íntimo; por el contrario, para comer, cada uno se encerraba en su cuarto a devorar un muslo de pollo. Era el mundo al revés bajo la mirada del genial cineasta español.

"El fantasma de la libertad" de Luis Buñel (1974)

Si quieren conocer aún más sobre la historia del inodoro, pueden visitar, en Nueva Delhi, el Museum of Toilets. Este museo muestra el más variado arte del excusado de todos los tiempos y culturas.

La iniciativa del museo se debe a Bindeswar Pathk, un ambientalista que quiere concientizar a la población de la importancia del inodoro en la salud de todos, pues, paradójicamente, en la India, dónde la higiene constituye un grave problema social, faltan inodoros: millones de personas evacuan al aire libre. Por tal motivo, los hindúes están muy expuestos a las epidemias.

Pathak es, asimismo, el fundador y coordinador de Sulabh, una organización que ha desarrollado y construido en el país un millón de unidades de pozos de doble absorción con inodoros de bajo costo, además de 5.500 baños públicos. La tecnología Sulabh ha librado a unos 40.000 limpiadores de la degradante práctica de recoger y cargar con los excrementos humanos en grandes bandejas de metal. Y es que, aún hoy, 600.000 personas conocidas como “dalit”, se ganan el sustento de ese modo.

Un museo ejemplar que, Dios y billete de por medio, me encantaría visitar!.

Adieu!.

Noticia Museística: Paul McCartney está muerto

2010-11-23T12:48:00.001-03:00

El viernes 10 de octubre de 1969, Russ Gibb, DJ de la emisora WKNR-FM en Detroit, Michigan, anunciaba lo siguiente: “Paul está muerto”.

Gibb llegó a esta conclusión después de leer una crítica del álbum "Abbey Road" realizada por Fred LaBour y John Gray, ambos estudiantes de la Universidad de Michigan. En el artículo (publicado en el diario “The Michigan Daily”), LaBour y Gray presentaban bastantes pruebas sobre la muerte de Paul y hasta decían que había sido sustituido por un doble llamado William Shears Campbell ("the one and only Billy Shears", ¿les suena?), un huérfano de Edimburgo, Escocia, que ganó un concurso de parecidos a Paul McCartney.

Ante semejante noticia, Alex Bennett, locutor de la “WKNR”, viajó a Londres para “investigar” los rumores y, desde ya, terminar de enredarlo todo, pues a su regreso llegó a sugerir que todo apuntaba a que realmente Paul había muerto y que la única manera de probar lo contrario era realizar una comparación de las huellas dactilares entre el músico y su actual suplantador. Ahora bien, ¿de dónde surgió este rumor?, ¿cuál fue su origen?, ¿Paul está vivo o muerto?. A continuación toda la historia.

El rumor de la supuesta muerte de Paul cuenta que el miércoles 9 de noviembre de 1966 a las 5:00 de la mañana, McCartney se encontraba trabajando en el álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, y después de una fuerte discusión con los otros 3 Beatles, Paul salió del estudio semidesnudo, subió enfurecido a su "Aston Martin" y manejó varias horas hasta que, sin darse cuenta, pasó un semáforo en rojo y se estrelló contra un camión de color amarillo o (atendiendo a otras fuentes) contra un muro de piedra. Como resultado del trágico choque, McCartney murió en el acto al salir despedido por el parabrisas. Los primeros auxilios fueron prestados por otros automovilistas, que no fueron capaces de reconocer al Beatle debido a las terribles heridas sufridas en su rostro.

Supuesto funeral de Paul

Para evitar el efecto que esta noticia tendría entre los millones de fans y, claro está, para mantener vivos a los Beatles y su negocio, se tomó la decisión de ocultar los hechos y suplantar la figura de Paul por la de un doble que tuviera cierto parecido.

Según se cuenta, la presión de reprimir los sentimientos por la pérdida de su compañero encontró una válvula de escape en pequeños guiños, claves y referencias diseminadas en los discos siguientes de los Beatles. A saber:

1. A Day In The Life: en esta canción, John describe el accidente: He blew his mind out in a car. He didn't notice that the lights had changed. A crowd of people stood and stared. They'd seen his face before, nobody was really sure if he was from the house of Lords ("él se mató en un coche. No vió que las luces habían cambiado. Una multitud observaba, habían visto su cara antes, nadie estaba realmente seguro de si pertenecía a la Cámara de los Lores").
2. Wednesday morning papers didn't come (Lady Madonna). Los periódicos del miércoles por la mañana no han venido: Nadie se enteró porque la noticia fue ocultada.
3. Las portadas de los álbumes Abbey Road y Sargent Pepper's Lonely Hearts Club Band muestran varias señales del funeral, que habría ocurrido algunos días después. En Abbey Road, John Lennon vestía completamente de blanco (asumiendo el rol del predicador), Ringo Starr utilizó el traje negro habitual en los responsables de servicios funerarios, George Harrison utilizaba ropas de trabajo (sería el enterrador) y Paul McCartney tiene sus ojos cerrados, y viste un traje pero está descalzo, como es habitual en los cadáveres que se preparan para ser velados. Además McCartney camina con el paso cambiado respecto a los otros tres Beatles y agarra el cigarrillo con la mano derecha, siendo que Paul es zurdo.

5. "The one and only Billy Shears": El único Billy Shears (hace alusión a William Campbell, ya que su nombre artístico era precisamente Billy Shears).
6. I´m so Tired: al final de esta canción se puede escuchar a John musitando: Paul is dead man. Miss him, miss him, miss him! ("Paul esta muerto, lo extraño").
7. Revolution 9: esta canción de John con forma de collage de sonidos, repite un estribillo constante: Number nine. Si se reproduce al revés, se puede escuchar: Turn me on, dead man ("conéctame, muerto").

En resumidas cuentas, podemos decir que todo este increible rumor se basó en un accidente real en dónde sí hubo un Beatle implicado…pero no era Paul, sino Lennon (el suceso no causó la muerte de nadie. Se trató únicamente de una pequeña colisión nocturna en circunstancias no aclaradas pero que pudieran estar relacionadas con la escasa pericia de John Lennon al volante. Lennon sufrió otro accidente de coche bastante más grave en los 70 y en esa ocasión también conducía él).

Pero en realidad, lo que no todos saben es que Paul sí sufrió un accidente, pero no fue de auto, ni se mató como consecuencia del mismo. El accidente fue de moto.

En diciembre de 1965 Paul estaba de vacaciones en la casa Rembrandt (como se le conoce a la casa familiar de Los McCartney en Cheshire) . Allí se encontró con Tara Browne, el famoso heredero de la fortuna de los Guinness, amigo de Paul y de su hermano Mike. Una tarde, Tara y Paul McCartney salieron en moto para visitar a una tía de Paul y Mike. El Beatle tomó una curva a excesiva velocidad y se salió de la ruta. El accidente ocasionó a McCartney diversas heridas en la cara, un corte en el labio superior y daños en su dentadura. Para evitar todo tipo de prensa sensacionalista, se avisó al doctor de la familia para que cosiera el profundo corte del labio, que era la herida más seria.

De este pequeño percance es de donde salieron las posteriores cicatrices y marcas y no de la fantasiosa operación de cirugía estética a la que William Campbell se habría sometido para acentuar más su parecido con el Beatle fallecido.

A partir de entonces McCartney presenta el labio disparejo que es notorio si uno observa bien los videos o fotos y también sufrió del problema temporal del diente frontal partido que se observó en el clip de Rain y Paperback Writer (años después , la prensa del espectáculo se olvidó o simplemente desconocía el tema del accidente e informó como novedad lo del diente roto cuando en una entrevista en noviembre de 1999 a McCartney se le sorprendió sin la corona dental).

En fin, si algo es totalmente cierto en esta historia, son las pistas que, a partir de 1967, The Beatles colocaron en las portadas de sus discos y en sus canciones. Estas pistas pueden atribuirse, en parte, al gran sentido del humor que tenían, y también a lo gracioso que les pareció el asunto de la muerte de Paul. Y sí, no podían ser otros más que los Beatles los que contribuyeron a fomentar esta magnífica leyenda.

Adieu!!!.

Personaje Museístico: San Cupertino

2010-11-21T13:40:00.000-03:00

Desde que el mundo es mundo, la humanidad ha tenido la necesidad de creer en un ser supremo. Esa unión de la conciencia humana con el misterio de lo divino es lo que recibe el nombre de religión, vocablo que significa “religar”, “re-unir”. Y a ese sentimiento de confianza, de certeza y seguridad que deposita el hombre en una entidad superior se le llama “fe”.

Por tal motivo, y a partir de hoy, todos los meses contaremos la historia de un santo o santa popular tanto de Argentina como a nivel mundial. A continuación los invitamos a conocer la vida de San José de Cupertino.

Giuseppe (José) Desa nació en 1603, en el pueblo de Cupertino, Italia, en circunstancias que recuerdan al nacimiento de Jesús, pues su padre, que murió al poco tiempo, era un humilde carpintero que no tenía vivienda. José (de aspecto sucio y desnutrido pues su madre lo trataba con bastante crueldad) deambulaba por las calles del pueblo mirando a las personas con gesto de asombro, lo que le valió el apodo de “boquiabierta” y de muchas bromas.

A los 17 años intentó entrar a varias órdenes clericales, pero fue expulsado por su torpeza e inutilidad. Lo único que el niño hacía era rezar con devoción, pero a la hora de hacer las tareas se confundía, se olvidaba o hacía todo al revés. Debido a esto, José le pidió ayuda a un pariente adinerado, pero este lo echó diciendole que era un “bueno para nada”. Cuando regresó a su casa, su enfurecida madre pidió a un tío franciscano que por favor lo aceptase a su hijo en la orden. Como si un milagro hubiese actuado, José empezó a hacer bien todos los encargos que antes no podía, lo que le permitió el ingreso.

De esta forma comenzó a estudiar para los exámenes del sacerdocio, pero su mente no comprendía el sentido de las palabras. Por más que se esforzara y pasara el tiempo leyendo, no lograba recordar nada de lo que leía. Al mismo tiempo comenzó a crecer su fama pues entraba en unos estados de tan profundo éxtasis que no despertaba ni siquiera ante golpes o quemaduras que le hacían sus compañeros para hacerlo reaccionar. Cuando volvía en si, pedía disculpas por “sus mareos”.

Llegado el día del examen para ser sacerdote, el pobre José no tenía los conocimientos para aprobar, pese a haber intentado estudiar. Pero otro milagro sucedió: cuando el examinador le preguntó por una frase del Evangelio, José respondió “Bendito sea el fruto de tu vientre”. Esa frase era la única que justamente sabia a la perfección. ..

Pero no todo termina ahí. En la parte final de examen, el obispo escuchó a 10 de los aspirantes, muchachos tan brillantes en sus exposiciones que, suponiendo que toda la clase tenía el mismo nivel, aprobó a todos…incluso a José.

A partir de su ordenación, José se dedicó a la oración y a las penitencias; y sin saber el motivo, sus poderes iban aumentando hasta lo increíble, pues había adquirido la facultad de levitar –en forma involuntaria-, cosa que le sucedía frente a compañeros, obispos, embajadores, reyes y hasta el mismísimo Papa fue testigo de sus vuelos. A esto se le sumaba la capacidad de curar todo lo que tocaba (para no fomentar la idolatría de las personas que se agolpaban en las puertas del monasterio para ver y tocar a José, los superiores le prohibieron celebrar misas en público, asistir al comedor cuando había gente y concurrir a cualquier reunión pública. Finalmente decidieron encerrarlo en celdas de clausura. Pero las personas pronto descubrían su presencia por el fuerte perfume a flores que emanaba su cuerpo. Entonces lo volvían a trasladar, hasta que lo descubrían una vez más).

En 1663, un mes antes de su muerte, celebró su última misa. Al elevar el cáliz quedó suspendido por los aires con una expresión como si estuviera con el mismo Dios en el cielo. Muchos testigos presenciaron este hecho.

Murió el 18 de septiembre a la edad de 60 años. Él ya sabía que iba a morir y se preparó para ese momento. Entró en un dulce éxtasis y murió con los ojos abiertos, como si contemplara algo maravilloso que nadie más pudo ver.

Aquel perfume milagroso y celestial que tantas veces despedía su cuerpo se difundió por todas partes y duró en su celda más de 13 años.

Se lo invoca para proteger a los estudiantes sinceros y con dificultades, por las mismas vicisitudes que él atravesó en vida. Y a los aviadores y pasajeros, por la capacidad de levitar que tenía.

Su principal santuario está en Osimo, Italia. En la Argentina se encuentra en la Ciudad de Buenos Aires (Riobamba 1227, Recoleta).

Adieu!.

Objeto Museístico: Los huevos Fabergé

2010-11-19T13:34:00.002-03:00

La costumbre de obsequiar huevos en tiempos de Pascua se remonta a los egipcios, aunque fueron los cristianos quienes le impregnaron un carácter religioso al considerarlos un símbolo de la resurrección de Jesucristo. En numerosas culturas los huevos son sinónimo de fertilidad, de renacimiento, y, sobre todo, símbolo de esperanza para los pueblos. En otras culturas, en cambio, el huevo representa los 4 elementos de la vida: La cáscara (tierra), la membrana (aire), la clara (agua) y la yema (fuego). En la historia se han hecho famosos muchos huevos de Pascua, algunos por la enormidad de su tamaño, y otros por su excentricidad, como el huevo de oro que le regaló Luis XV a Madame Du Barry. Pero sin lugar a dudas, los huevos más distinguidos y renombrados son los “Fabergé”, joyas únicas y pequeños testimonios del arte y la historia de Rusia nacidas en el taller de un joyero de San Petersburgo y fruto de los caprichos de los zares. Aquí su historia…

La historia de los huevos Fabergé comienza cuando el zar Alejandro III y su esposa zarina Maria Fedorovna celebraban su vigésimo aniversario en la Pascua de 1885 (la Pascua es la fiesta más celebrada por los rusos ortodoxos, la cual se celebra intercambiando huevos y 3 besos). Para esa ocasión tan especial, el zar quería obsequiarle a su mujer algo exclusivo, y por tal motivo le encargó al joven joyero Peter Carl Fabergé que hiciera un huevo de características únicas. En la mañana de Pascua, Alejandro III finalmente le regaló a su esposa un huevo con una yema de oro. Dentro de la yema había una gallina también de oro, y dentro de la gallina, una corona real de diamantes en miniatura y un huevo de rubí.

María quedó totalmente maravillada con el regalo, y esto llevó a que el zar contratara los servicios de Fabergé para todas las Pascuas subsiguientes (el joyero fue nombrado proveedor oficial de la corte imperial rusa). El zar sólo insistió en que cada huevo debía ser único, y contener una sorpresa digna de una emperatriz. El joyero y su equipo de orfebres y artesanos, entre ellos maestros joyeros como el ruso Michael Perkhin y los finlandeses Henrik Wigström y Erik August Kollin, diseñaron y confeccionaron huevos de Pascua durante 11 años más hasta que en 1894 Alejandro III falleció (luego de la muerte del zar, su hijo, Nicholas II, ascendió al trono. El nuevo zar no sólo continuó la tradición del huevo de Fabergé para su madre, sino que además encargó huevos para su esposa, la zarina Alexandra Fedorovna. Estos huevos se convirtieron en prioridad absoluta de la compañía y fueron planeados y trabajados con un año o más de antelación: la sorpresa que contenía el huevo se mantenía siempre en secreto).

De esta forma, Peter Carl Fabergé transformó para siempre el mundo de la joyería y el arte, creando piezas sofisticadas y completamente únicas. Entre los huevos de pascua creados por Fabergé se encuentra el "Blue Winter Egg" (Huevo del Invierno Azul), propiedad del Filántropo y coleccionista de arte Freddy Novelo. La joya tiene la peculiaridad de poseer en su interior un ave fénix creada en oro de 24 quilates que se encuentra parada sobre una almohadilla de lápiz lázuli (durante una de sus curadurías se encontraron escondidos en su interior 1753 zafiros y un collar de diamantes los cuales se cree que Carl Fabergé guardó para poder sacarlos de Rusia en 1918).

Blue Winter Egg

Otro de los huevos es él “Petitte Swan Egg” (El huevo del pequeño cisne) que es propiedad de la familia Shuermann. Entre las particularidades de esta obra se encuentra un cisne, creado en su totalidad de oro, diamantes y un mecanismo de cuerda, que al abrir el huevo sale moviendo sus alas con tal delicadeza que pareciera que realmente realiza los movimientos de un ave. El cisne es considerado en Rusia un símbolo de tradición familiar y unión matrimonial (los diseños de estos huevos solían inspirarse en obras de arte que el orfebre veía en sus viajes o en el Museo del Ermitage).

Petitte Swang Egg

De los 69 huevos que hizo en total la Casa Fabergé para los zares, la aristocracia y la élite industrial y financiera, se conservan 62. El más valioso de todos, conocido como el huevo de la Coronación, mide sólo 12,7 centímetros, pero no vale menos de 18 millones de dólares. Y, como todos los huevos de Pascua, guarda una sorpresa: una miniatura de oro, platino y cristal de roca del mismísimo coche que llevó el zar en su coronación.

El huevo de la Coronación

Sin lugar a dudas, cada vez que salga a la venta alguno de los huevos Fabergé, los precios batirán récords, como el que protagonizó a finales de noviembre del año 2007 el huevo Rothschild (fabricado por Fabergé para dicha familia) que es un reloj cucu de diamantes que se vendió por 12,5 millones de euros en una subasta de Christie's de Londres.

Huevo Rothschild

En fin, si para la próxima Pascua quieren ser el centro de atención, o quedar bien con la esposa o novia, pero no tienen los 12,5 millones de euros (…) regalen una imitación de los huevos Fabergé. Hoy en día las reproducciones de estas pequeñas joyas están en la mayoría de las tiendas de souvenirs de todo el mundo y son realmente adorables!. Después no digan que no les avisé…

Imitación Fabergé (realizado con huevo de codorniz)

Adieu!.

Personaje Museístico: El Flautista de Hamelín

2010-11-17T13:31:00.001-03:00

El Flautista de Hamelín, de título original “Der Rattenfanger von Hameln”, es una leyenda publicada entre los años 1812 y 1922, por los Hermanos Grimm en su colección de “Cuentos para niños y para el hogar”, y un poema escrito en 1845 por el inglés Robert Browning para la recopilación “Romances Dramáticos” (Dramatic Romances).

El cuento proviene de una leyenda germánica basada en lo ocurrido el 26 de Junio de 1284, en Hamelin, Alemania, del cual provienen múltiples deducciones y cuyo final es aún motivo de investigación para los historiadores. Algunas versiones afirman que el núcleo de la cuestión se encuentra en la terrible desaparición de 130 niños en la población de Hamelín. Otras interpretaciones agregan circunstancias alternativas a la historia pero carecen de verificación alguna. Estos eventos se emplean para tratar de justificar y/o explicar lo sucedido con el famoso flautista y, además, para utilizarse con propósitos estrictamente comerciales o educativos para los jóvenes lectores.

La historia del cuento original presenta al pueblo de Hamelín invadido de ratas y buscando de forma imperiosa una solución para lo ocurrido. Un día, un forastero provisto de armas y vestido de ropas muy coloridas, se ofreció a erradicar la peste a cambio de dinero. Los habitantes accedieron a esa condición, y por tal motivo el exótico personaje guió a los roedores, por medio de una melodía que interpretaba en su flauta, hasta el río Weser para que todos se ahogaran. El problema surgió cuando la población se negó a pagarle al flautista los mil “ghilder” por sus servicios prestados, y éste se marchó del lugar sin su paga y guardando un gran resentimiento contra aquel pueblo.

El 26 de Junio, el flautista regresó a la ciudad para vengarse, y vestido con ropas de cazador y con un particular gorro colorado tocó una melodía que, en esta ocasión, hechizó a todos los niños y niñas del pueblo (que en total eran 130) y los condujo hasta una caverna en las montañas. Los niños nunca más fueron vistos (sólo 2 de ellos se quedaron atrás y pudieron contar la historia, pero 1 de ellos era ciego y no pudo llevar a los habitantes de Hamelín hasta el lugar, y el otro era rengo lo cual hizo que no pudiera llegar a la ubicación exacta en dónde los demás niños habían desaparecido).

Esta historia es una amalgama de varias versiones llegadas a los oídos de los hermanos Grimm y de Browning acerca de la desaparición de los niños. Las primeras evidencias de la historia datan del año 1300, en un vitral ubicado en la iglesia de Hamelín, que evoca algún evento fatídico que afectó para siempre a la población (por ejemplo, los niños pudieron morir ahogados en el río Weser, o abandonaron el pueblo para tomar parte de alguna campaña militar y nunca regresaron). Otras evidencias son una inscripción de 1602 que describe al flautista y a la desaparición de 130 niños en el lugar del calvario, cerca de "koppen" y un diario del siglo XIII encontrado allí.

El nombre del flautista era “Bunting” (nombre relacionado con la Cruzada de los Inocentes, a principios del siglo XIII y con la migración de jóvenes para la colonización de Europa Oriental durante algunas campañas militares). La Cruzada de los Inocentes fue una misión de un joven llamado Nicolás de Colonia, quien dirigió aproximadamente a unos 20.000 cruzados adolescentes, muchos de los cuales murieron. Los historiadores también afirman que los viajes colonizadores de gente joven, no de niños, eran frecuentes durante el periodo medieval.

En un principio, la historia de los hermanos Grimm no tuvo mucho éxito. Teniendo en cuenta que su objetivo era el público infantil, la narración fue tildada de sádica y cruel. En su defensa, los hermanos Grimm escribieron: "Buscamos la pureza de la verdad en una narración directa y que no esconde con recelo algo malo. No sabemos de ningún libro sano y fuerte que haya servido para la formación del pueblo -empezando por la Biblia- donde no aparezcan tales reservas en mayor o menor grado. Pero el buen uso no ve nada malo en ello, sino por el contrario, como dice un bello refrán, un testimonio de nuestro corazón. Los niños saben leer sin miedo en los astros, mientras otros injurian a los ángeles partiendo de las creencias populares".

Finalmente la competencia y pericia de los Hermanos Grimm en su lengua materna, así como sus distintas investigaciones combinadas con su implacable imaginación y astucia, les permitió alcanzar una gran repercusión a nivel mundial en menos de 3 décadas (por su parte, el inglés Browning fue aplaudido por su adaptación de la prosa al nivel poético).

El Flautista de Hamelín es una historia tejida desde la angustia del pueblo, desde un hecho desgraciado. Las ratas simbolizan la enfermedad, que bien puede ser tanto física como psicológica. No hay datos concretos que den testimonio alguno de que en el pueblo hubiera, en 1284, una plaga de ratas. Estas fueron incluidas por los hermanos Grimm y otros escritores, puesto que de su siglo provienen los primeros registros de roedores como plaga y de varios cazadores conocidos que llamaron su atención.

Actualmente, y como todos sabemos, el personaje del flautista es el símbolo oficial de la población de Hamelín y motivo de múltiples festividades y recorridos turísticos por la ciudad. Se ha convertido en el referente cultural por excelencia de dicha localidad, especialmente por las posteriores representaciones, mucho más benévolas, en las cuales habría devuelto a los niños a cambio de su recompensa original y con el objetivo de darles una lección a los adultos deshonestos y desvergonzados del pueblo.

En fin, El Flautista de Hamelín resulta ser una obra totalmente vigente, tanto para el lector, como para la sociedad. Los padres dejaron a sus hijos desatendidos, tanto como sucede hoy en día. El tema de la religión pudo ser un evento circunstancial en esta historia, pero también pudo tener un propósito crítico subsiguiente a la inquisición. Todos los padres se encontraban en la iglesia cuando el flautista se llevaba a sus hijos...

La importancia de esta historia en la actualidad queda a consideración de ustedes...

Si les interesa conocer más sobre el tema, les recomiendo el video "Hamelin. La verdad tras la leyenda" (muchas gracias Vurdalak!).

Adieu!.

Minipost: El flamenco, los 'castells' y el canto de la Sibila ya son Patrimonio Inmaterial

2010-11-16T15:34:00.005-03:00

Desde hoy, el flamenco es Patrimonio Inmaterial, según ha decidido el comité de la Unesco en Nairobi. Además, la institución ha concedido el mismo reconocimiento a las otras 2 candidaturas españolas que se presentaban: los 'castells' catalanes y el canto de la Sibila de Mallorca.

Asimismo, la dieta mediterránea también ha entrado en la lista de la Unesco, un premio compartido entre España, Grecia, Italia y Marruecos, al igual que la cetrería cuya candidatura ha sido apoyada por España junto a Emiratos Árabes Unidos, Bélgica, República Checa, Francia, Corea del Sur, Mongolia, Marruecos, Qatar, Arabia Saudí y Siria.

Gracias a la declaración de la Unesco, todos ellos recibirán ayudas y medidas de protección especiales.

Felicitaciones!.

Lugar Museístico: Gorée, la isla de los espíritus

2010-11-15T15:01:00.000-03:00

Prisioneras de la historia, las ánimas atormentadas siguen lamentándose en los distintos rincones de aquella isla que, hace ya varios siglos, fue martirio y sufrimiento. Algunas personas afirman escuchar sus gritos y llantos, otras hablan de cadenas y grilletes golpeando contra muros eternamente cerrados. Cómo si todavía aguardara la redención, la isla de Gorée aún padece el estigma de la terrible esclavitud…

Gorée es una pequeña isla ubicada en la región africana. Está ubicada frente a la costa del país al que pertenece, Senegal, y se encuentra a tan sólo 3 kilómetros de la ciudad de Dakar, la capital. De una geografía de por sí muy atractiva, actualmente la isla es un lugar turístico de cierta importancia. Sin embargo, su historia está categóricamente vinculada con lo inhumano, la crueldad, el horror y la muerte, pues en ella se estableció durante casi 3 siglos uno de los principales mercados de esclavos llevado a cabo por los imperios europeos.

El comercio de personas empezó poco después del descubrimiento del Nuevo Mundo, a principios del siglo XVI, para proporcionar mano de obra barata a las colonias españolas y portuguesas. En Gorée se incrementó, aproximadamente, un siglo después, o sea, en el XVII. La isla perteneció, en un principio, a los holandeses, pero la llegada de los franceses e ingleses cambió el control sobre el lugar (según parece, el nombre de Gorée viene de esa época, pues los holandeses la conocían con el nombre de “goedde redde” -buen puerto-).

Durante todo ese período de luchas imperiales, el tráfico de esclavos alcanzó tiempos de “gran esplendor”. La isla, que estaba ubicada en un lugar estratégico, recibía a millones de personas que eran capturadas en diversos lugares del interior del continente africano (muchas veces eran victimas de sus propios pares, de los lideres de sus tribus, que los entregaban a los europeos a cambio de distinto beneficios).

En los comienzos del siglo XIX, el negocio de la esclavitud empezó a perder fuerza, y en 1815 se abolió el tráfico de esclavos, lo que llevó a la isla a disminuir su importancia comercial. El cierre de las Casas de Esclavos fue inmediato, a pesar de que la institución de la esclavitud siguió vigente hasta mucho tiempo después por las colonias francesas.

Los documentos de la historia dicen que por la isla de Gorée pasaron alrededor de 20 millones de esclavos, que aguardaban allí para ser trasladados, principalmente, a las colonias que las coronas europeas tenían en el Brasil, el Caribe y las Antillas. Embarcados en naves especialmente diseñadas para transportar esclavos, eran llevados en terribles y agobiantes viajes de 40 días, o más, a plantaciones de café, algodón y caña de azúcar. Allí, en la nueva tierra que los esperaba, agonizaban y morían, abandonados por una libertad y una dignidad que ya nunca podrían recuperar (cabe mencionar que no todos los esclavos llegaban a destino ya que la gran mayoría de ellos moría en altamar o en la celdas construidas en la isla. Se estima que más de 6 millones de personas murieron en Gorée, sin siquiera ser embarcadas).

El epicentro de la trata de esclavos en la isla eran las llamadas Maisons des Esclaves (Casa de Esclavos, en francés). Estas casas eran dirigidas por mercaderes europeos, que habían construido dentro de sus muros decenas de celdas en la que hombres, mujeres y niños esperaban el turno de ser embarcados en condiciones infrahumanas. Dentro de esas casas se clasificaba a los esclavos, que eran agrupados y vendidos teniendo en cuenta ciertos parámetros que subían o bajaban su valor (por ejemplo, los hombres robustos eran los más apreciados, así como las mujeres que tenían pechos grandes o los niños que tenían la dentadura completa. Por otro lado, había un interés especial por las adolescentes vírgenes, por lo que los tratantes de esclavos pagaban las cifras más altas).

En la actualidad solo se conserva una sola de estas Casas de Esclavos, convertida ahora en museo de la tragedia y declarada, en 1978 por la UNESCO, Patrimonio de la Humanidad. En las paredes restauradas de la casa pueden leerse muchos mensajes escritos por personas de diferentes lugares del mundo, acompañadas con citas de Martin Luther King, Tagore o Léopold Sédar Senghor, poeta senegalés que fue el primer presidente del país en 1960.

Ya han pasado casi 2 siglos desde el final de la tragedia africana, desde el último barco, desde la última tortura... Hoy la isla es visitada diariamente por miles y miles de turistas, y quizás por eso, sólo quizás, los espíritus todavía deambulan implorando no ser olvidados…

Adieu.

Costumbre Museística: Los ñoquis del 29

2010-11-12T11:34:00.000-03:00

Los famosos ñoquis del 29 (del italiano “gnocchi”, plural de gnocco, que significa bollo, grumo o pelotita) tienen una tradición que trasciende las fronteras del ritual cotidiano y doméstico, mezclando lo mundano con lo divino.

Si bien es cierto que, como toda tradición reformada, modernizada, rejuvenecida y/o restaurada, hoy ha perdido parte de su razón originaria, con el tiempo se ha ido abasteciendo de las costumbres de los distintos hombres y mujeres que poblaron este suelo.
Se conocen, por lo menos, 3 historias que aportaron para que este evento de los días 29 de cada mes sea tan popular. Veamos…

La historia más antigua es atribuida a Pantaleón (275 al 303), un joven médico nacido en Nicomedia (actual Turquía), quien, tras convertirse al cristianismo, peregrinó por el norte de Italia. Allí practicó milagrosas curaciones por las que, tiempo más tarde, fue canonizado. En cierta ocasión, casualmente un día 29, pidió albergue a unos labradores muy pobres. La familia compartió con él su escasa comida, y, en agradecimiento, el santo les auguró que verían aumentada su cosecha. La profecía se cumplió. También se cuenta que al marcharse, Pantaleón dejó unas monedas de oro bajo su plato. Es por esta razón que el ritual también contempla, a veces, la presencia en la mesa de una estampita de San Pantaleón y el rezo de una oración en su memoria.

Se cuenta también que la costumbre tuvo origen en Italia, allá por el año 1690, en un pueblito piamontés. Ante el repentino aumento de la harina de trigo debido a la pérdida de cosechas y al alto impuesto que se debía pagar por moler los granos, los campesinos italianos experimentaron con un sustitutivo de la harina: el puré de papas. En aquel entonces la papa se cultivaba sólo para alimentar a los animales, pero dada la necesidad, penuria y miseria reinante, crearon los ñoquis de papa salvándose así de pasar hambrunas mayores. Desde ese momento, los pobladores tomaron como hábito reunirse en la plaza principal todos los 29 de cada mes (día del Santo Patrono) para agradecer las cosechas de papas. Para festejar preparaban ñoquis, claro está, y cada comensal colocaba debajo de su plato las monedas que su bolsillo le permitía y al terminar de comer se las repartían a las parejas que habían elegido ese día para casarse como augurio de prosperidad.

En Argentina, la costumbre se impuso en la década de 1980. En ese entonces se reunían, religiosamente todos los meses, algunos periodistas gastronómicos. Los lugares de encuentro eran rotativos, es decir cada mes en una casa distinta (de esta forma los anfitriones se podía lucir con exquisitos manjares). Todo comenzó cuando le tocó el turno a una conocida periodista justo un día 29. Ella conocía la historia de San Pantaleón y decidió preparar para esa ocasión los riquísimos ñoquis de papa. La idea resultó todo un éxito (los comensales recibieron los ñoquis con aplausos y todo). Pronto se divulgó la costumbre que dio origen a un club muy singular, “El Club del Ñoqui”, que reunía todos los meses a celebres, influyentes y distinguidas personas de todos los ambientes culturales y sociales de la capital porteña y a muchos trabajadores de prensa. En muy poco tiempo los ñoquis ya estaban instalados en la mayoría de los hogares. Los restaurantes vieron en esta tradición un excelente negocio y, ni lentos ni perezosos, cada 29 preparaban deliciosos y nutritivos ñoquis.

Estas fueron las 3 historias sobre el origen del ñoqui, pero como es probable que ustedes quieran saber sobre “el otro tipo de ñoqui” (es decir, el empleado-ñoqui) ahora paso a contarles:
Allá por los '80, la ironía y la sorna popular argentina comenzó a llamar "Ñoquis" (sí, con mayúscula) a aquellas personas que cobran su sueldo sin ir a trabajar. Estos individuos, generalmente empleados públicos, no aparecían en todo el mes por sus lugares de trabajo, a excepción de, obviamente, el día de cobro de sueldos, o sea, los 29 de cada mes.

En fin, para el próximo 29, ya están avisados.
Adieu!.

Enigma Museístico: El gusano de la muerte de Mongolia

2010-11-10T20:10:00.000-03:00

El inhóspito desierto de Gobi es una extensa región desértica situada entre el norte de China y el sur de Mongolia. Se puede considerar uno de los desiertos más grandes e importantes de todo el mundo.

Históricamente, el desierto de Gobi se destaca por haber sido parte del imperio Mongol y por la localización de varias ciudades importantes a lo largo de la Ruta de la Seda.

Ocupando el 30% del territorio nacional, el gran Gobi de Mongolia abarca montes, dunas, mesetas, estepas y, desde luego, un mundo animal muy variado. Y es aquí donde nos detenemos, pues es en este desierto dónde habita una de las criaturas más misteriosas del planeta: el allghoi khorkhoi, más conocido como el gusano de la muerte...

Según los investigadores, este gusano mortal mediría entre 60 cm y metro y medio de largo, se lo suele describir como una especie de serpiente gorda, de un color rojo furioso, que pulveriza un veneno mortal, que hiberna durante la mayoría del año (excepto en el mes de junio y julio) y que incluso puede desencadenar fuertes descargas eléctricas.

El autor checo Ivan Mackerle fue el primero que se interesó por esta criatura. Un mongol le dijo que el gusano de la muerte “se parece mucho al intestino de una vaca, su piel es de color rojo sanguinolento o salami y resulta difícil distinguir la cabeza de la cola ya que no posee ni ojos, ni nariz, ni boca visibles”. Añadió también que “la criatura se desplaza de un modo extraño, bien rodando, bien arqueando el cuerpo hacia los lados y que se siente atraída por los objetos de color amarillo” (según relataron los habitantes de la región "un niño tenía una caja de juguetes de color amarillo, el gusano se arrastró hacia él, y cuando el pequeño lo tocó, murió en el acto. Sus padres sólo vieron desaparecer una cola en la arena y quisieron matar al animal, pero fue el gusano quién los mató a ellos").

Está demás decir que existen muchas teorías sobre esta criatura. Según una de ellas, el gusano de la muerte sería una “desert death adder”, o sea, una culebra mortal del desierto. Por otra parte, el criptozoólogo francés Michel Raynal cree que el enigmático gusano-intestino del Gobi podría ser una especie desconocida de anfisbenio.

Los anfisbenios (o culebrillas ciegas) son unos animales muy particulares. Se los puede definir como “los topos” del grupo de los reptiles ya que viven en galerías que ellos mismos se encargan de excavar. Comparten un ancestro común con los lagartos y las serpientes pero han desarrollado toda una serie de características anatómicas que los diferencian de ellos y que están relacionadas con su singular modo de vida.

Los investigadores los llaman “lagartos-gusano” pues tienen un cuerpo cilíndrico, grueso y alargado. Además, sus escamas están dispuestas en círculos alrededor del cuerpo, lo que les da un aspecto segmentado semejante al de las lombrices de tierra. Los ojos de los anfisbenios son diminutos y la cabeza y la cola pueden llegar a tener una forma tan parecida que, a veces, resulta complicado distinguirlas (tal es así que en Colombia los llaman “serpiente de 2 cabezas”). En definitiva, todo parecería indicar que el gusano mortal pertenecería a este grupo de reptiles subterráneos. Todo coincide (el grosor de su cuerpo, la manera que tienen de moverse, la dificultad para distinguir entre la cabeza y la cola, su aspecto anillado, etc.) excepto una: los anfisbenios son criaturas totalmente inofensivas…

En fin. O bien vive en el desierto de Gobi una especie desconocida de culebra mortal cuyo aspecto y peligrosidad han sido exagerados por la superstición… o bien los zoólogos se confundieron y los anfisbenios en realidad son mortales… o bien el gusano asesino es fruto de la fantasía de los nómadas, que intentan así dar con una explicación a las muertes inesperadas…
Saquen ustedes sus propias conclusiones.

Adieu!.

Museo de la Publicidad

2010-11-08T12:19:00.009-03:00

“Si crees que la publicidad no sirve, considera los millones de personas que ahora creen que el yogur es rico”. (Joe L. Whitley).

En inglés, la palabra “advertising” (publicidad) deriva del latín “ad vertere”, que significa “mover la mente hacia”.

La publicidad existe desde los orígenes de la civilización y el comercio. Desde que existen productos que comercializar se ha tenido la necesidad de comunicar la existencia de los mismos; la forma más común de publicidad era la expresión oral.

Varios autores coinciden en que el primer aviso publicitario tiene casi 3mil años de antigüedad. Un papiro egipcio, encontrado en Tebas que se conserva aún en el museo Británico de Londres, reza lo siguiente:

"Habiendo huido el esclavo Shem de su patrono Hapu, el tejedor, este invita a todos los buenos ciudadano de Tebas a encontrarle. Es un hitita, de cinco pies de alto, de robusta complexión y ojos castaños. Se ofrece media pieza de oro a quien dé información acerca de su paradero; a quien lo devuelva a la tienda de Hapu, el tejedor, donde se tejan las más bellas telas al gusto de cada uno, se le entregará una pieza entera de oro".

Los sirios, fenicios, árabes, griegos y cretenses realizaban el trabajo de mercadeo o comercio. Hace más de 2500 años las caravanas de mercaderes babilónicos se valían de hombres heraldos, de voz potente y clara pronunciación para anunciar sus productos. Los griegos contaban con pregoneros que anunciaban la llegada de los barcos con cargamento de vino, especias y metales. Con frecuencia, el pregonero iba acompañado de un músico que sólo se mantenía en el tono adecuado. Los pregoneros después se convirtieron en el medio más común de anuncios públicos en muchos países europeos, como Inglaterra o España, y continuaron en boga durante muchos siglos más.

Uno de los primeros métodos de publicidad consistía en pintar los anuncios en los muros. Los arqueólogos han encontrado numerosas muestras de esta técnica, en especial en la antigua Roma y en Pompeya (un anuncio hallado en Roma informa sobre un terreno puesto a la venta y otro, encontrado en una pared de Pompeya, anuncia una taberna situada en otra ciudad).
Otro método de publicidad, o más bien propaganda política, era el marcado de las monedas con el rostro del emperador, pues que de ésta forma el gobernante sería conocido por sus súbditos ( y con ello su cara más familiar) y volvería a ser elegido en las próximas elecciones con mayor facilidad. Así, la publicidad a través de las monedas era más eficiente, y menos pesada, que los bustos de las esculturas.

Pero aunque haya anuncios gráficos desde la antigüedad, la publicidad impresa no se desarrolló en realidad hasta la aparición de la imprenta de Gutemberg. La marca registrada mediante un signo bidimensional o tridimensional que simboliza una empresa o un producto apareció por primera vez en el siglo XVI, cuando los comerciantes y los miembros de los gremios empezaron a disponer estos símbolos a la entrada de sus tiendas. Entre las marcas que han sobrevivido de esta época destaca la barra rayada de los barberos. Al mismo tiempo, el crecimiento de los centros urbanos propició el desarrollo de la publicidad como medio de comunicación masivo.

En 1711, el periódico “The Spectator”, descubre que la venta de publicidad permitiría abaratar los costos del ejemplar ya que los anunciantes serían quienes financien los costos de la edición. De este modo, surge el concepto moderno de tarifa publicitaria en el cual un medio cotiza el valor de su espacio publicitario en función de la tirada o el rating.

En 1845 nace en Francia la primera Agencia de Publicidad: "Societé Géneérale des Annonces", destinada a prestar servicios a los anunciantes y a mediar entre estos y los medios de comunicación.

Ya con el siglo XX se inicia el desarrollo y la profesionalización de la actividad publicitaria que creció al ritmo de la tecnología y la progresiva globalización.

De esta forma, la evolución gráfica publicitaria, que de por sí es muy interesante, se puede dividir en las siguientes etapas:

-Primera etapa: Hasta la mitad del siglo XX. Esta etapa se caracteriza por una demanda muy superior a la oferta, es decir se vendía todo lo que se producía, ya que el problema era producir. Esta etapa se corresponde con el Estado de bienestar en el que había un gran consumismo. En estos primeros anuncios era suficiente con mostrar y destacar las posibilidades del producto.
-Segunda etapa: Comienza a partir de los años 50, donde el problema es vender. Existe pues, una oferta muy superior a la demanda. En la época anterior las propiedades del producto era el distintivo, pero al usarse una y otra vez, al público le resultaba cada vez más difícil entender por qué el producto era especial. Es preciso inclinar la preferencias del consumidor hacia una marca, producto o servicio determinado, destacar sus cualidades, y en particular, "la novedad". La publicidad se enfrenta al reto de destacar artículos de corta implantación en el mercado sustituidos constantemente por otros nuevos.
-Tercera etapa: La publicidad comienza a actuar en el terreno social: creencias, comportamientos, sentimientos y conductas. Así, la publicidad es un instrumento que refleja o condiciona comportamientos sociales.
- Cuarta Etapa: La publicidad no sólo vende productos, vende utilidades, beneficios y satisfacciones. Puede incluso que la "utilidad" del producto sea claramente diferente de la satisfacción producida. La utilidad de un producto ha dejado de constituir un motivo de compra, especialmente en aquellos productos claramente superfluos. La publicidad ha dado un nuevo sentido al acto de la compra: autos "deportivos", perfumes "irresistibles", por el "bienestar" de los hijos, por cuidar la naturaleza, etc.
- Publicidad moderna: Se caracterizan por destacar las cualidades de los consumidores del producto. En la actualidad no basta con sólo lanzar un comercial o una pieza gráfica para esperar un buen resultado, los consumidores están bombardeados de publicidad en cualquier lugar que vayan. El mercado es cada vez más exigente y poco receptivo con la publicidad. Nacen entonces las experiencias de marcas, el BTL, el llamado Insight, Advergaming, Placement y muchas otras maneras de llegar al consumidor de manera creativa y persuasiva, buscando muchas veces no solamente la compra del producto, sino una experiencia positiva con el mismo.

En fin. La historia de la publicidad, y todo su mundo, es realmente apasionante. Si les interesa saber más, mucho más, sobre el tema les recomiendo lo siguiente:

- “Posicionamiento” (El concepto que ha revolucionado la comunicación publicitaria y el Marketing). Al Ries y Jack Trout. Un libro indispensable y muy bueno.

- El Marketing según Kotler. Otro libro indispensable y de muy fácil lectura.

- Mad Men. Serie de televisión creada por Matthew Weiner y producida por Lionsgate televisión.
Ambientada en Nueva York durante los años 60, la serie gira alrededor del apasionante, conflictivo y competitivo mundo de la publicidad, y sigue las historias de los hombres y mujeres que trabajan en la agencia Sterling Cooper, especialmente la de Donald “Don” Draper, Director creativo y socio de Sterling (confieso que tanto Mariano como yo somos totalmente fanáticos de esta serie).

- ISP (Instituto Superior de Publicidad) perteneciente a AAAP (Asociación Argentina de Agencias de Publicidad). El mejor Instituto para realizar las carreras de Redacción Publicitaria, Dirección de Arte, Planificación de Medios y Dirección de Cuentas.

Por último, también les recomiendo, a todos los que vivan cerca o posean un bolsillo bastante holgado para poder viajar, el Musée de la Publicité (Museo de la Publicidad).

Este museo es el primero de estas características en el mundo, se abrió al público el 18 de noviembre de 1999. Cuenta con amplias colecciones internacionales que abarcan todas las épocas y campos de la publicidad (postres, objetos, anuncios en televisión, cine, prensa y radio) y combina una cobertura exhaustiva del pasado con una gran sofisticación tecnológica.
Palais du Louvre - 107, rue de Rivoli
75001 Paris
Tel.: +33(0)1 44 55 57 50
Metro: Palais Royal

Un museo que, Dios y billete de por medio, me encantaría visitar!.

De yapa:

Adieu!!.

Costumbre Museística: El beso

2010-11-01T12:51:00.000-03:00

Cyrano:… Entonces que venga la muerte a llevarse esta locura, yo he logrado el embeleso, solo os pido una cosa, un beso...
Roxane: ¿Qué habéis pedido?
Cyrano: Hablábamos de un beso...
Roxane: No...
Cyrano: Sí, la palabra es dulce...
Roxane: ¡Cállate!.
Cyrano: En realidad un beso ¿qué expresa?.
Un juramento cercano, una promesa sellada, un amor que se quiere confirmar, un acento invisible sobre el verbo amar, un secreto que confunde la boca con las orejas, un instante infinito, un murmullo de abejas, un sabor dulcísimo, una comunión, una nueva forma de abrir el corazón, de degustar al borde de los labios, el alma…
Roxane: ¡Cállate por favor!.
Cyrano: Sí, mi boca se calma.
(Cyrano de Bergerac).

El beso ha protagonizado ensayos de Historia, Antropología y Sexología; ha llenado páginas y páginas de Literatura, Derecho y Psicología y ha sido sometido a la investigación de médicos y biólogos.

Forma parte de las manifestaciones ordinarias de nuestra vida cotidiana. Pero es un gesto de múltiples interpretaciones. Besamos por educación, por costumbre, por amor, por amistad, por respeto, por gratitud, por felicidad, por tristeza o por mero formulismo. Y, por lo tanto, sus características varían según lo que se desee expresar con él: puede ser apasionado, seco, corto, largo…Las distintas culturas le han otorgado un significado diferente y lo han enfundado de condicionamientos sociales y morales muy variados. A lo largo de la Historia, casi todos los pueblos han conservado esta tradición, adaptándola a los cambios y evoluciones que ha ido sufriendo la sociedad.

Para encontrar los orígenes del beso en la boca hay que remontarse a la Prehistoria. Las investigaciones han confirmado que las madres prehistóricas daban de comer a sus hijos con el sistema boca a boca, lo mismo que hacen los pájaros, los gorilas o los chimpancés. Masticaban la comida y la metían en la boca de los bebés directamente con su propia lengua; de esta forma les facilitaban el paso de la alimentación láctea a la sólida. Esta costumbre se extendió hasta que llegaron a usarla incluso con las personas de dentadura perfecta. El beso en la boca se considera la última fase de la evolución de esta costumbre.

Pero también se puede buscar sus orígenes en una interpretación social del fenómeno. La boca y el aliento son la vida y el alma. El primer grito que da el recién nacido se reconoce como el verdadero síntoma de vida. Asimismo, el hombre abandona el mundo “dando el último suspiro” o “entregando su alma”. En la boca reside la vida y la muerte, ¿y qué es la respiración boca a boca, sino un largo beso, durante el cual el soplo de vida pasa de un individuo a otro?.

Seguramente el beso en la mejilla obedece a otros condicionantes. Las distintas investigaciones permiten deducir que procede de la época en que al individuo le era indispensable un olfato a toda prueba para sobrevivir. Los hombres se olían unos a otros con el fin de detectar a los enemigos y a los amigos, o sea, a los miembros de una tribu o a los de un clan extraño. Se supone que cada grupo debía poseer un olor característico, el olor del grupo.
La teoría del olor indica que en sus orígenes el beso en la mejilla no era una expresión de cariño o de placer, sino un medio de defensa. Los hombres posaban la nariz y los labios sobre la mejilla del visitante como signo de recelo.

Hay un proverbio sudanés que reza lo siguiente: “No beses nunca al que sea capaz de devorarte”. Los esquimales, de carácter muy prudente, resuelven el problema frotándose mutuamente la punta de la nariz, mientras mantienen un ojo vigilando el panorama.
Los pueblos que no se besan nunca –como ocurre en muchas etnias africanas- están intentando proteger su alma, alegóricamente identificada en el aliento o en la respiración. Dios besó a Adán para darle la vida, y en la tradición de los cuentos, el príncipe azul reanima de esta manera a Blancanieves o a la Bella Durmiente del Bosque, víctimas de un embrujamiento maléfico.

Pero el beso también puede simbolizar la muerte y la traición. Judas besó a Jesús ante los centuriones de Herodes para señalar una condena a muerte (hoy se suele llamar beso de Judas al dado por una persona a otra a la que ha traicionado o tiene intenciones de hacerlo). La mafia volvería más tarde a utilizar este signo; según sus reglas, cuando algún miembro del grupo había traicionado a los suyos, un pariente le daba un beso en la boca, lo que indicaba a la victima que todo el clan había aprobado su ejecución y que ya no había lugar ni para la clemencia ni para ningún tipo de pataleos.

Antiguamente, el beso y el alma eran 2 conceptos unidos. Las personalidades no se permitían ninguna familiaridad con un individuo de rango inferior por miedo a que su alma se perdiese. A través de los tiempos, el beso ha sido un elemento diferenciador de jerarquías, regido por el principio de que cuanto más bajo sea el lugar que se ocupe en la sociedad, más se debe inclinar para besar. En la Grecia clásica, los subordinados besaban a sus superiores en el pecho, las manos o las rodillas, de acuerdo con el rango que tuvieran; a los esclavos sólo se les permitía besar la tierra.

En Francia, Luis XIV institucionalizó el uso del besamanos, que en un principio obligaba a los hombres a inclinarse para rozar la mano de las damas. Sin embargo, gran parte de los funcionarios y nobles de la Corte nunca estuvieron conformes con esta nueva norma; encontraban humillante tener que hacer una reverencia ante personas que pudieran ser de un status inferior, e inventaron una regla que no rompía totalmente con el protocolo: irónicamente acercaban a su boca la mano de las señoras en ademán de besarla, operación que no les impedía seguir derechos y, por consiguiente, su vanidad quedaba a salvo.

Los únicos besos que indican igualdad, como se habrá observado, son los que se realizan sin tener que agacharse. Es decir, el beso en la mejilla y en la boca. Así se besan los amigos, los compañeros, los deportistas, las parejas, y los reyes entre sí. En los países del Este, las personas que se tienen en un alto concepto de estima no dudan en besarse generosamente en la boca. Los monarcas se besan para saludarse y despedirse. Esta costumbre parece indicar, de forma implícita, que los sujetos de la acción son almas gemelas y que no perderán nada con el intercambio (los jefes de Estado burgueses no tienen derecho a este privilegio. Su poder es sólo temporal y han de contentarse con un estrecho apretón de manos).

En fin, actualmente expertos de la organización “Relate” (la principal agencia de terapia sexual británica) aseguran que besar es el mejor antídoto contra la depresión y una excelente forma de mejorar la salud. La sexóloga Denise Knowles, que trabaja como asesora en dicha organización, indica que los beneficios para la salud provocados por un beso apasionado se explican porque una fuerte liberación de adrenalina provoca un aumento de la tensión arterial y del ritmo cardíaco. Knowles exhorta a las parejas a que, así como pagan las deudas navideñas, cancelen también las “deudas emocionales” pendientes, empezando a pagarlas...con un beso.

“Bésame, bésame mucho, que tengo miedo a perderte, perderte después…”.

Adieu!!.

El Conventillo "Varieté": El Ave María

2010-10-29T12:45:00.002-03:00

Ave Maria, gratia plena, Dominus tecum, benedicta tu in mulieribus, et benedictus fructus ventris tui Iesus. Sancta Maria mater Dei, ora pro nobis peccatoribus, nunc, et in hora mortis nostrae. Amen.

El Ave María (en Latín) es sin duda una de las más hermosas y familiares oraciones de la Iglesia Universal. La oración es por definición un llamado, un grito, una plegaria o petición que se hace a Dios.

La plegaria consta de 3 partes: la primera está tomada del saludo del arcángel Gabriel: “Dios te salve, María, llena eres de gracia, el Señor es contigo» o literalmente: «¡Alégrate! llena de gracia, el Señor está contigo” (Lc 1,28). La segunda está formada por las palabras de alabanza que Isabel, pariente de la Virgen, y esposa de Zacarías, dirige a María al pisar su casita de Ain karim: “Bendita tu eres entre todas las mujeres y bendito es el fruto de tu vientre” (Lc 1,42). La tercera parte es una invocación de la Iglesia de origen muy posterior: “Santa María, Madre de Dios, ruega por nosotros pecadores, ahora y en la hora de nuestra muerte. Amén”.

La estructura íntegra del Ave María necesitó un milenio -del siglo VI al siglo XVI- para alcanzar su actual formulación (a pesar de su introducción precoz en la liturgia, el Ave María tarda tiempo en popularizarse. Ciertamente, en el siglo VII, Ildefonso, obispo de Toledo, recita varias veces el Ave María en una visión, cuando se puso de rodillas. Pero se trata de un testimonio excepcional. De hecho, hay que aguardar al siglo XI para asegurarse, con el testimonio de san Pedro Damián († 1072), que el Ave María llega a ser una oración popular de favor). No obstante, pueden fijarse algunos datos de indudable certeza. La vinculación del saludo de Gabriel con la alabanza de Isabel se debe a Severo de Antioquía, que falleció el año 538. En una vasija de barro encontrada en Luxor (Egipto) ya se leen estas palabras unidas. San Juan Damasceno, fallecido en el 749, las comenta en sus homilías. La Iglesia ha añadido los nombres de “María” al principio y de “Jesús” al final, siendo Urbano IV en el siglo XIII, su afortunado autor. El último añadido: “ahora y en la hora de nuestra muerte”, aparece en un breviario cartujano del 1350, siendo asumido posteriormente por los trinitarios y camaldulenses.

Puede afirmarse que la fórmula definitiva que ha llegado hasta nosotros fue fijada por Pío V en 1568, con ocasión de la Reforma litúrgica. Hace pues, 442 años que los católicos rezamos en su forma actual esta incomparable plegaria mariana, mitad himno de alabanza, mitad súplica filial. Y no nos cansamos de repetirla por su irresistible encanto sobrenatural.

Dedicamos este post a nuestro ex Presidente Néstor Kirchner, quién falleció el último miércoles 27 de octubre.

Jovén barítono rinde homenaje a Kirchner entonando el Ave María.

Querido compañero…Hasta la Victoria, Siempre!.

Personaje Museístico: El dueño de la Luna

2010-10-26T12:38:00.009-03:00

En 1954, un ciudadano chileno se declaró propietario de nuestro satélite natural. Quería crear un mundo más justo. Crease o no, hasta el mismísimo Richard Nixon le pidió permiso para el primer alunizaje norteamericano.

No hay duda que la primera reacción es una sonrisa irónica: ¿la Luna tiene dueño?. Pero, aunque parezca poco creíble, es cierto. Su propietario fue el chileno Jenaro Gajardo Vera, un abogado, poeta, pintor y también violinista apasionado que vivió en el balneario Rocas de Santo Domingo, a 130 km de Santiago.

He aquí la historia de Don Gajardo, el abogado que un día se presentó ante un escribano y le dijo: "Vengo a inscribir la Luna como mi propiedad".

Desde 1868, existe en la Región del Maule el Club Talca. Allí concurrían los distintos miembros de la ya alicaída aristocracia talquina. Los Donoso, Cruz, Silva y Concha eran los apellidos que resonaban entre los socios.

Don Jenaro Gajardo intentó ser miembro del privativo Club. Una noche de septiembre de 1954 fue invitado a una cena. Se le dijo que como tenía título profesional podía ser admitido como miembro, pero uno de los comensales (socio del exclusivo club) se opuso a su afiliación pues antes debía acreditar, por lo menos, un bien raíz.

“Cuando salí de la sesión – recordó Gajardo – me fui caminando hasta la Plaza. Me molestó que se diese tanta importancia a las cosas materiales”.

Fue en ese momento cuando alzó la vista y vio al resplandeciente satélite. No tardó mucho en cavilar su iniciativa: sería el dueño de la luna.

En septiembre de 1954 Jenaro se presentó ante el escribano del Departamento de Bienes Raíces de la ciudad de Talca con un documento donde se declaraba así mismo dueño del satélite “desde antes de 1857” (fórmula usada en la época para sanear terrenos sin título de dominio). El escribano levantó la vista, lo miró un largo rato en silencio y después le dijo:

“Don Gajardo, usted tiene razón, la Luna tiene dimensiones, deslindes, no tiene dueño y nada impide que lo tenga. Si usted publica un aviso durante 3 días en el Boletín Oficial y nadie se opone, la Luna es suya. Pero lo van a tildar de loco”.
“No importa”, dijo Jenaro.

La mítica escritura reza lo siguiente:

“Jenaro Gajardo Vera, abogado, es dueño, desde antes del año 1857, uniendo su posesión a la de sus antecesores, del astro, satélite único de la Tierra, de un diámetro de 3.475.00 kilómetros, denominada LUNA, y cuyos deslindes por ser esferoidal son: Norte, Sur, Oriente y Poniente, espacio sideral. Fija su domicilio en calle 1 oriente 1270 y su estado civil es soltero. Jenaro Gajardo Vera. Carné 1.487.45-K Ñuñoa.Talca, 25 de Septiembre de 1954. (Archivo Jaime González Colville).

Fotocopía de la escritura.

Con el título en sus manos, regresó al Club Talca. Hubo sonrisas, y muchas caras de sorpresa, asombro y desconcierto. Pero finalmente lo había conseguido: fue aceptado como socio.
La noticia comenzó a circular por los distintos diarios de todo el mundo. Mario Kreutzberger leyó la noticia y lo invitó a “Sábados Gigantes”. Con su carácter socarrón, el animador le dijo que mucha gente lo consideraba “rayado” por aquella propiedad lunar. A lo que Gajardo le respondió:

“Le voy a contar por qué inscribí la Luna. Mi ideal era crear un mundo mejor, no me gusta la gente de la Tierra, está llena de envidias, rencores, odios. No hemos podido suprimir las guerras, hay tanta violencia. Por eso, un día miré hacia la Luna y me ilusioné como un niño. Me imaginé la posibilidad de crear allá arriba un ámbito nuevo, con gente buena, capaz de amar, de crear un mundo digno y justo…”. Cierta vez, cuando Jenaro visitaba Buenos Aires, una joven pareja le pidió permiso para pasar la luna de miel en el satélite. Les dijo que sí por 3 motivos: porque eran jóvenes, porque se amaban y porque no habían perdido la posibilidad de soñar…

Pero no todo fue color de rosas para Don Gajardo pues la idea de que la Luna tuviera dueño tuvo bastante rechazo entre los poetas. Un joven escritor chileno desató la polémica al enviar una carta pública a Jenaro donde le decía que “Usted puede tener todos los títulos de propiedad que quiera, pero en justicia la Luna es de todos los poetas del mundo”. La respuesta, más propia de poeta que de terrateniente, fue que “El día que los jóvenes y los poetas dejen de rebelarse, la humanidad estará perdida. Yo no quise apropiarme de la Luna con fines egoístas, de lucro. Fue sólo la realización de un sueño infantil que me acompañó toda la vida”.

Una vez, los inspectores de impuestos visitaron al insólito propietario. Habían descubierto que nunca había declarado el satélite y que, por lo tanto, se había convertido en el primer evasor cósmico. La respuesta de Don Gajardo fue que si querían cobrarle impuestos él no tenía ningún tipo de inconvenientes. “Vayan hasta mi propiedad, mídanla, tásenla, hagan números y después me dicen. Si quieren, los acompañó”. Desde luego los inspectores no insistieron más.

Pero el mayor orgullo del ex abogado fue en el año 1969 cuando el mismísimo Presidente de los EEUU, Richard Nixon, le pidiera permiso para que los astronautas Edwin Aldrin, Michael Collins y Neil Armstrong pudiesen descender del Apolo XI a la luna. El comunicado rezaba lo siguiente:

"Solicito en nombre del pueblo de los Estados Unidos autorización para el descenso de los astronautas Aldrin, Collins y Armstrong en el satélite lunar que le pertenece". Richard Nixon, 1969.

A lo que Don Gajardo respondió lo siguiente:

"En nombre de Jefferson, de Washington y del gran poeta Walt Whitman, autorizo el descenso de Aldrin, Collins y Armstrong en el satélite lunar que me pertenece, y lo que más me interesa no es sólo un feliz descenso de los astronautas, de esos valientes, sino también un feliz regreso a su patria. Gracias, señor Presidente".

A pesar de la satisfacción, Jenaro dijo después que estaba bastante enojado pues nunca más lo consultaron, ni la NASA ni los soviéticos. “A todos les inicié demandas, porque no tienen derecho a invadir mi propiedad”, rezongaba.

Por último, cabe destacar que el tema de la Luna y Don Gajardo sentó jurisprudencia en materia de propiedad espacial. Una vez, el entonces Ministro de la Corte Suprema Rubén Galecio Gómez le dijo: “Bueno, si tú inscribiste la luna, yo puede hacer lo mismo con el planeta Marte”.
Gajardo respondió enérgicamente: “No puedes, por cuanto el Derecho Civil impide reclamar propiedad sobre un bien que no pertenece a la Tierra, como es el caso de Marte”.

En 1998, poco antes de fallecer, Don Gajardo extendió su testamento en la Notaría de Ramón Galecio, en Santiago. Al referirse a sus bienes, expresó: “Dejó a mi pueblo la Luna, llena de amor por sus penas”.

En fin, esa bella y misteriosa esfera de plata que ha iluminado a miles y miles de enamorados y que ha sido la musa inspiradora de los hombres de corazones románticos, tuvo dueño, y su nombre fue Don Jenaro Gajardo Vera.

Adieu!.